Un mundo implacable

SOBRE EL ESTÍMULO Y EL SOBRE ESTÍMULO

2012-03-02T20:14:00.009+01:00

Estímulo: Factor actor externo o interno capaz de provocar una reacción positiva o negativa en una célula u organismo.

Sensación: estimulación de una célula sensorial especializada por un estimulo (externo o interno), que a su vez activa a una neurona sensitiva generándose un impulso nervioso, el cual se transmite hasta el centro nervioso correspondiente, donde se produce la interpretación del mensaje.

Lea detenidamente el siguiente texto. O mejor, si tiene tiempo que perder, experiméntelo. Tómese su tiempo. Si ya ha llegado hasta aquí, se puede tomar un tiempo.

Estimule una imagen agradable en su cerebro. Recuerde algo que ha vivido y conviértala en una imagen. Alguna que pueda recordar con facilidad. La que sea. Alguna que le haga sentirse bien. Perfecto.

Ahora que ya tiene algo pequeño en su cabeza, manténgalo durante un tiempo determinado, el que usted elija. Concéntrese en la imagen. Deje leer y concéntrense en esa imagen durante unos segundos. Intente no desviar su atención de la imagen que ha elegido. Concéntrese en ella.

Bien. Ahora que la ha mantenid,o intente quitar esa imagen de su cabeza. No puede, ¿verdad? Usted lee imagen e inmediatamente después le viene esa última imagen en la que acaba de concentrarse.

Piense en otra imagen. La que sea. Alguna quizá un poco más desagradable. Mucho más desagradable. Algo que odie profundamente y que le haga tiritar. Perfecto.

En este mismo instante acaba usted de borrar la imagen en la que había pensado previamente, la primera,, que sin embargo, por el recuerdo de esta frase, ha vuelto de nuevo a su cabeza. Estímulo. Usted ha estimulado una imagen que ha provocado una reacción positiva. Al estimular una imagen negativa ha deseado volver inmediatamente a la imagen positiva que había generado. Estímulo externo con reacción determinada.

Estimule ahora una sensación positiva. Algo que pueda sentir en sus entrañas. Sí, sí. Los actores lo hacen fácilmente. Si ellos pueden, usted también. Se puede estimular la sensación. Concéntrese. Intente concentrarse en una sensación determinada. En su corazón, en su estómago, en lo más profundo de su alma. Sienta. Estimule alguna sensación positiva que pueda estimular con facilidad. La que sea. Alguna que le haga sentirse bien. Concéntrese. Perfecto. ¿La tiene?

Ahora que ya siente algo positivo, manténgalo durante un tiempo determinado, el que usted elija. Unos cuantos segundos. Intente no desviar la atención sobre la sensación que ha escogido. Bien.

Ahora que la ha mantenido intente eliminar esa sensación de su corazón. No puede, ¿verdad? Estimule otra sensación. Negativa esta vez. La que sea. Alguna un poco mayor, más compleja. Intente centrarse en esa nueva sensación. Alguna de carácter negativo. En este mismo instante se acaba de dar cuenta que la sensación que atravesaba sus entrañas hace un instante no ha desaparecido del todo, al igual que sucedía con las imágenes que generaba su cerebro. Efectivamente, sigue ahí. Está usted atravesando dos sensaciones a la vez. O al menos el leve recuerdo de una de ellas. Como la espuma que queda tras la ola. Sabe que no se moja los pies, pero igual los humedece. No se preocupe, no durará mucho tiempo.

Intente desechar ambas y vuelva al estado inicial en el que su corazón no estaba sometido a la sobre estimulación de sensaciones. ¿Está usted interpretando el mensaje? No se apure. Ahora lea las dos siguientes columnas de palabras. Primero una. Deje pasar unos segundos y lea la segunda. Hágalo con cierta rapidez.

Amorfos

Insectos

Asfaltos

Infectos

Deformes

Alientos

Idiotas

Ineptos

Aromas

Sesudos

Perfumes

Saludos

Abrazos

Susurros

Caricias

Desnudo

Usted no sabría explicar por qué, pero de las siguientes columnas le parece mucho más atractiva la segunda ¿verdad? Es más, le he pedido que lea dos columnas, cuando solo hay una. Estaba tan pendiente de buscar la segunda columna, que en la lectura se ha dejado llevar con rapidez. Su cerebro, y por tanto su parte inconsciente, su yo más intrínseco acaba de descubrir que la segunda columna de palabras resulta más agradable que la primera. Y lo ha hecho de forma inconsciente. ¡Qué maravilla! Usted acaba de recibir catorce estímulos directos. En los dos casos, siete palabras en cada columna. Usted esperaba dos columnas espaciales y en realidad, existen dos columnas separadas por contenidos: negativos y positivos. En los dos casos, veinticuatro sílabas sujetas por una leve rima asimétrica para que la lectura sea más agradecida. Y sin embargo, si tuviera que elegir…sólo en el caso de que tuviera que elegir con alguna de las dos partes de la columna, escogería la segunda parte.

La interpretación puede ser tan positiva como negativa. Depende de quien lea. Depende de quien escriba. La recepción del mensaje y su decodificación puede resultar tan amorfa como aromática. ¿Curioso verdad? Son las dos primeras palabras de cada columna. Piense en el aroma. Ahora piense en el amorfo.

Aroma. Amorfo. Aroma. Amorfo.

De nuevo una sobre estimulación, que además en este caso resulta contradictoria. ¿Por qué? Porque su vida es contradictoria. Porque usted es contradictorio. Porque es en la contradicción donde encontramos la poesía. Porque sobre su estímulo existe también un sobre estímulo. Según el prisma desde donde se mire. Porque amorfo y aroma son contradictorios. Y porque lingüísticamente, aunque parecidos, nos derivan a dos estímulos completamente diferentes. Sin embargo caricia y susurro no lo son. Por eso están en la misma columna.

Elija una de las dos palabras. Caricia o susurro. ¿Se complica verdad? Imagínese que tiene que quedarse con una de las dos. Ya no es tan fácil. Porque a usted le gusta la palabra caricia, pero la palabra susurro también le agrada. Le gusta el carácter aterciopelado que acompaña a la palabra caricia, pero también le tiembla el pulso al pensar en el eco evocador que conlleva la palabra susurro. Ambas pertenecen a la misma columna. ¿Cuál es el problema entonces? Lea ahora las siguiente columna, hágalo rápido, no deje tiempo para pensar en qué significa cada palabra. Esta vez solo hay una columna. Adelante:

Amorfos

Sesudos

Asfaltos

Saludos

Deformes

Susurros

Idiotas

Desnudos

Aromas

Insectos

Perfumes

Infectos

Abrazos

Alientos

Caricias

Ineptos

Se encuentra altamente saturado. No entiende por qué, pero lo encuentra todo entremezclado, confuso. Acaba de recibir catorce imágenes en su cerebro. Acaba de sentir catorce sensaciones diferentes en su lado más inconsciente. Todas contradictorias. Estímulos positivos y negativos seguidos. ¿Se encuentra cansado después de leer las catorce palabras seguidas? No se preocupe. Concéntrese tan sólo en una pequeña parte de las catorce palabras. Lea sólo la última letra de las catorce palabras. Hágalo despacio. Reproduzca con su lengua y sus dientes el sonido de la última letra de cada palabra. Es siempre la misma. 16 "eses" una detrás de otra.

SSSSSSSSSSSSSSSS...

Piense en el silencio.

Silencio.

Toda palabra puede resultar bella si se coloca en el lugar adecuado. O si se repite una y otra vez cacofónicamente. Toda sensación puede resultar bella si se recibe con el estímulo adecuado. Toda imagen puede resultar bella si se crea con el ambiente adecuado. Palabras, imágenes y sensaciones pueden resultar aterradoras si las recibimos a través de estímulos inadecuados o, sencillamente, desordenados. Como en Mullholland Drive: silencio.

Sin embargo y pese a todo, siempre nos quedará (a usted y a mí) el silencio. Disfrute ahora del mismo y de la belleza que se oculta en su palabra. Silencio.

Y entre sus sílabas. Si len cio.

Y entre su letras. S i l e n c i o.

-Foto: La Catedral del Mar en Barcelona-

La mujer de negro

2012-02-23T23:09:00.001+01:00

La crítica en Cine para leer.

La quiniela

2012-02-16T17:14:00.010+01:00

Todo el mundo dice que no los verá, que los Goya son aburridos, que la gala es un coñazo que "este es el último año que pierdo ahí mi tiempo", pero lo cierto es que al final, todos vemos la gala, repetimos año tras año, a todos nos gusta especular sobre quién ganará (y perderá) y todos hablamos al día siguiente en el curro de lo soporífera que fue la gala. Así, que cual Aramis Fuster, dispuesto a no dar ni una, voy a hacer pública mi quiniela. Con todas las categorías, que sería algo así como intentar acertar el pleno al 15. Y con un matiz: quién creo que lo ganará y quién molaría que lo ganase. Así, al día siguiente, todos podréis decir que no acerté ni una y que además había otro que todavía molaba más.

PELÍCULA
Quién lo ganará: No habrá paz para los malvados
Molaría: No habrá paz para los malvados

DIRECTOR

Quién lo ganará: Enrique Urbizu.

Molaría: hombre, pues como la Academia pasa de Balagueró,Enrique Urbizu.

INTERPRETACIÓN MASCULINA

Quién lo ganará: José Coronado

Molaría: José Coronado

INTERPRETACIÓN FEMENINA

Quién lo ganará: Elena Anaya

Molaría: Verónica Echegui (y así nos echamos unas risas con otro discurso prometedor).

GUIÓN ORIGINAL

Quién lo ganará: Enrique Urbizu y Michel Gaztambide

Molaría: Enrique Urbizu y Michel Gaztambide

GUIÓN ADAPTADO

Quién lo ganará: Pedro Almodovar

Molaría: Iciar Bollaín (para ver cómo dedica el premio, llámenme morboso).

MÚSICA ORIGINAL

Quién lo ganará: Alberto Iglesias.

Molaría: Lucio Godoy.

DIRECCIÓN NOVEL

Quién lo ganará: Kike Maíllo

Molaría: molaría mucho, muchísimo, que lo ganara Paula Ortiz.

INTERPRETACIÓN MASCULINA DE REPARTO

Quién lo ganará: Lluis Homar

Molaría: Lluis Homar

INTERPRETACIÓN FEMENINA DE REPARTO

Quién lo ganará: Ana Wagner

Molaría: Maribel Verdú (y se nos empieza a ver el plumero)

ACTOR REVELACIÓN

Quién lo ganará: José Mota

Molaría: José Mota

ACTRIZ REEVELACIÓN

Quién lo ganará: María León

Molaría: Michelle Jenner

Y a partir de aquí, ya sólo el pronóstico. Que todavía queda una buena tanda.

DIRECCIÓN DE FOTOGRAFÍA

“Blackthorn” (Juan Antonio Ruíz)

DIRECCIÓN DE PRODUCCIÓN

“Blackthorn” (Andrés Santana)

CANCIÓN ORIGINAL

“De tu ventana a la mía” (Debajo del limón, y el plumero ya es casi un plumón)

MONTAJE

“La piel que habito” (José Salcedo)

DIRECCIÓN ARTÍSTICA

“La piel que habito” (Antxon Gómez)

DISEÑO DE VESTUARIO

“Blackthorn” (Clara Bilbao)

MAQUILLAJE Y PELUQUERÍA

“La piel que habito” (Karmele Soler, David Martí, Antonio Carretero)

SONIDO

“No habrá paz para los malvados” (Licio Marcos de Oliveira, Ignacio Royo

Villanova, Ignacio Royo-Villanova)

EFECTOS ESPECIALES

“Eva” (Arturo Balseiro, Lluís Castells)

PELÍCULA DE ANIMACIÓN

“Arrugas” de Ignacio Ferreras.

PELÍCULA DOCUMENTAL

“Escuchando al juez Garzón” de Isabel Coixet.

PELÍCULA IBEROAMERICANA

“Un cuento chino” de Sebastian Borensztein.

PELÍCULA EUROPEA

“The artist”

CORTOMETRAJE DE FICCIÓN ESPAÑOL

“El premio” de León Siminiani

CORTOMETRAJE DE ANIMACIÓN ESPAÑOL

“Rosa” de Jesús Orellana.

CORTOMETRAJE DOCUMENTAL ESPAÑOL

“Regreso a Viridiana” de Pedro González Bermúdez.

Y bien, hecho el recuento de este pronóstico me salen 6 para "La piel que habito", 5 para "No habrá paz para los malvados", 3 para "Eva" y 3 para "Blackthorn". Me dice la bolita mágica que este año hay reparto de premios. Si acierto más de 25, el lunes lo dejo todo, me monto un gabinete sideral de astrología, llamo a los de Salvados para trincar pasta y si me queda algo de tiempo fundo una academia jedai. Si no, prometo escribir 100 veces: "cambiarás las pilas de la bolita antes de ridiculizarte en tu blog".

Extensión en twitter

2012-02-11T13:03:00.006+01:00

A partir de hoy el blog también tiene su extensión en twitter. Porque hay demasiadas cosas en la vida a las que no merece la pena dedicar una entrada completa.

https://twitter.com/mundoimplacable

Un niño y un pastel suficiente para conmover.

2012-02-08T00:42:00.006+01:00

Hace días que quería revisitar Érase una vez en América (Sergio Leone, 1984). La verdad, que vuelvo a conmoverme con esta escena. Quizá contenga todo lo que el buen cine debe tener: emoción, intriga, sutileza, dulzura, ingenuidad, una mirada sincera, y probablemente, el acompañamiento de la mejor banda sonora de la historia del cine a cargo de Ennio Morricone. Pocas películas logran la extrema perfección que se alcanza en algunos pasajes de esta ópera de Leone. Pocas escenas han sabido resumir tan bien lo que significa la infancia. Ese momento en el que uno se debate entre la tentación y el juego, entre lo inmediato y lo perecedero. En la primera parte de “Érase una vez en América”, uno encuentra los mejores minutos que el cine ha dedicado a la infancia. Como en Cinema Paradiso (Giuseppe Tornatore, 1998), como en Un mundo perfecto (Clint Eastwood, 1993), como en Los cuatrocientos golpes (François Truffaut, 1959), como en Fanny y Alexander (Ingmar Bergman, 1982), como en E.T (Steven Spielberg, 1982) como en algunos pasajes de la reciente El árbol de la vida (Terrence Malick, 2011). Esos momentos que trascienden al propio cinematógrafo para devolverlos un reflejo de lo que somos, de lo que fuimos y de lo que siempre querremos ser sin convertirnos en Peter Pan.

Y me doy cuenta, que tengo una conexión especial con las películas que se cuentan a través de los ojos de un niño, y en particular, con escenas como esta, donde la infancia resulta tan fugaz como infinita. Donde el tiempo se paraliza para que observemos, casi como espías, como un niño se debate contra sí mismo por un simple pastel. Escenas como esta, logran imbuirme hacia una parte del imaginario a la que difícilmente puedo acceder si no es a través del reflejo del celuloide (por ñoño que pueda sonar, así es). Algún día, más adelante, imagino que entenderé la razón de todo esto. O analizaré los motivos de por qué me conmueven escenas como esta. De momento, disfruto, me dejo llevar y aprendo de los grandes maestros.

Por cierto, en los extras del DVD, no tiene precio cómo se explica que Sergio Leone conocía sus películas de memoria. Especialmente interesante, resulta ver cómo en Cannes logró convencer al productor de la película. Después de describirle, plano por plano, toda la película, en nada más y nada menos que 3h y 45 min. (el tiempo que dura la misma). Leone era único. Conocía sus películas de memoria. Estaban en su cabeza. Vivían en ella. No hay, ni habrá otro director como él. Como explica alguien afirma en los extras, “un plano de Sergio Leone, vale más que muchas películas enteras de otros directores”. Cuánta razón...Cuánta razón. Con un niño, un pastel y un gran compositor, Leone tenía suficiente para que a muchos se nos siga encojiendo el corazón.

J. Edgar de Clint Eastwood.

2012-01-30T23:44:00.002+01:00

La crítica en Cine para leer.

I wish...

2012-01-27T19:55:00.012+01:00

Hoy se estrena J. Edgar de Clint Eastwood. Día que en mi calendario está marcado como “cita imprescindible que anula cualquier otro plan”. Además, ha habido suerte y ha llegado una copia a Zaragoza en V.O.S. El caso es que un día como hoy es siempre uno de esos días que uno espera con ganas. Independientemente de cómo vaya a ser después de la película. Antes estaban los Reyes Magos y el Ratoncito Pérez, ahora nos ilusionamos con esto, qué le vamos a hacer. Lo cual me lleva a pensar que siempre a principio de año uno tiene sus pequeñas ilusiones cinematográficas. Así que me lanzo con esta pequeña lista de deseos (cinematográficamente hablando) para el 2012. Aunque tarde (casi termina enero), estos son algunos de ellos. La mayoría, sin trascendencia.

1. Que llegue ya diciembre. Se estrena El Hobbit.

2. Que la nueva de Rodrigo Cortés esté a altura de sus dos películas anteriores.

3. Venga académicos. A ver si este año no hay pufo y conseguís que me levante del sofá y aplauda un poquito. Ya es hora de que veamos levantar un goya a Urbizu, ¿no? Aunque está cantado, por si acaso...

4. Que Paula Ortiz gane el goya a mejor dirección novel con De tu ventana a la mía (está complicado pero por algo es un deseo). Con eso, además de aplaudir hasta me emocionaré y todo. Si no cae, que al manos la taquilla no le de la espalda. Y ya de paso, que su peli guste, que guste muchísimo y deje buen poso (no se nota mucho la implicación emocional, ¿verdad?).

5. Que llegue ya diciembre. Se estrena El Hobbit.

6. Disfrutar con lo nuevo de Sam Mendes, Burton, Cuarón, Cronemberg, Herzog, Ang Lee, James Gray, Zemeckis...¿nada de Michael Mann este año?

7. Que alguna de las anteriores llegue en V.O.S al cine (en Zaragoza).

8. Que se mantenga la programación de la Sexta 3. Por favor, por favor, los que no tenemos Canal + la agradecemos mucho…

9. Ese guión que anda por ahí. Que guste. Que crean de veras que sí merece la pena hacer la película.

10. Que bajen (todavía más) los precios de los DVD´s. Venga sí, que así los que aún consumimos esta tecnología aumentamos un poquito nuestra colección cretácica.

11. Algo de Pixar por favor. Algo que no sea una secuela sosa si no es pedir mucho…

12. Que llegue ya diciembre. Se estrena El Hobbit. Que no me toque un jugador de baloncesto en la fila de delante.

13. ¡Ohhh sí, Batman! Hazme vibrar una vez más.

14. Que encuentre pronto esa peli desconocida que está por sorprenderme y que alguien cercano me descubrirá seguro.

15. Esa película aclamada por todo el mundo que a mí no me dirá mucho y me dejará más bien frío. Que al menos desemboque en un debate sano, bueno, jocoso y útil.

16. Ese director imprescindible al que todavía no me he acercado. A ser posible, que sea francés.

17. Ridley Scott, no nos decepciones. No la cagues. No te pido mucho más.

18. Que no llegue diciembre, que no llegue diciembre...Cuando llegue se me termina la suscripción a Filmin.

19. Algo más de tiempo para el Cineclub Overlook. Sólo un poquito más. Pedir tiempo para la filmo no es un deseo...es una utopía.

20. ¿Dos películas de Carpenter? ¡A por todas con este 2012!

21. Eastwood, no te mueras. Aguanta, aguanta…Aún nos estamos recuperando de lo de Lumet.

22. Algún festival interesante donde seguro conoceré a alguien interesante. A ser posible, que sea productor. Y que sea bueno. El cupo de directores ya lo vamos cubriendo fraternalmente.

23. Ese guión que está por llegar. A ver si cuajas de una vez. No te hagas de rogar.

24. De veras Clint, si te mueres, me fastidias parte del 2012.

25. Ya queda menos, ya queda menos…y seguro que con suerte, hasta el 3D de El Hobbit mola. En caso contrario, que sea Shaquille O´Neal el que se siente delante mío.

¿Cómo vive usted? Odayboga

2012-01-15T01:12:00.014+01:00

ODA: Composición poética o lírica de tono elevado, que generalmente ensalza algo o a alguien.

BOGA: Buena aceptación, fortuna o felicidad creciente.

En eso nos hemos convertido. Eso es lo que somos. Personas molestas, oprimidas, fatigadas y por supuesto al borde del desaliento en gran parte de nuestro tiempo vital. Aunque algunos se crean lo suficientemente listos como para pensar que no forman parte de todo esto. Precisamente, son los que antes le dirán: “disculpa, pero no tengo tiempo para esas chorradas, tengo muchas cosas que hacer”. Si es de los que no tiene mucho tiempo, casi le recomiendo que no siga leyendo, porque la punta del lápiz está especialmente afilada para la ocasión.

Usted vive así. Sí, lo que acaba de leer. No se enfade conmigo porque se lo reproche. Probablemente yo también viva de ese modo. Así que estamos en igualdad de oportunidades y también de condiciones. Pero prefiero centrarme en usted, para que esta entrada le parezca más mezquina, menos sincera y quizá algo más inoportuna. De hecho, si existe algún motivo para que siga leyendo, es para que finalizada la entrada usted pueda decir: “pues vaya, no dice nada nuevo, no lo dice de forma ordenada y encima crítica todo lo que él mismo hace”. Venga, venga…al grano, que sé que tiene algo de prisa.

Vive abrumado, sí. Cómo me explicará sino que en lo que vaya a durar esta entrada le de por mirar al menos una vez su facebook, su twitter, su tuenti, su tumblr o alguna otra red social para “sentirse conectado con el mundo”. O si no lo hace, que por lo menos se le cruce ese pensamiento. Cómo me explicará sino esa tendencia trastornada que cada noche le envuelve antes de dormir y le recuerda que hoy no ha hecho aquello tan fundamental, o se olvidó de hacer aquello otro que era indispensable, o sencillamente, que no atendió esa llamada porque estaba hablando con otra persona o se le pasó el cumpleaños de aquella otra persona a la que tanto quiere. Esa corriente sin detención que le recuerda todo lo que no ha hecho, todo lo que le queda por hacer, y por supuesto, el poco tiempo que dispone para el cometido. Veo que me va comprendiendo…Tranquilo, dos minutos más y le dejó actualizar su correo electrónico. No se preocupe. No vaya a ser que haya llegado algún mensaje súper-ultra-mega importante y se pierda el final de esta guisa.

Evidentemente, no se va a parar a pensar que la información que le rodea se ha apoderado de usted. Que ahora, sólo forma parte de un entorno que se fagocita a sí mismo, en virtud de generar más y más información sin un fin determinado. Que ahora, está completamente atrapado en una red que le obliga a gastar (quién sabe si a malgastar también), cada minuto de su valiosa y preciada vida en actualizar todas sus redes sociales, en revisar las redes sociales de sus contactos, en mirar varias veces al día su mail personal, su mail del trabajo, su móvil, su móvil del trabajo, en ver ese capítulo de una serie retrasada o esa película pendiente, en leer ese libro indispensable para la vida, en bajar esa canción de internet y por supuesto, en guardarse algunos minutos para eso que algunos inconscientes llaman “vivir”. Y todo, ¿para qué? Para que pueda estar informándose de todo lo que le sucede alrededor. Para que así pueda para saber qué ha pasado, que está pasando y (por paradójico que parezca), que podrá pasar en el futuro. Sí, internet también nos dice que va a pasar en el futuro. Y encima nos hace creer que entendemos mejor el mundo que nos rodea y que tenemos más sapiencia de nuestro entorno. Tremenda chorrada la que nos hemos creído o nos han hecho creer. Para que cuando llegue la hora, usted también pueda decir: “sí, sí, lo vi ayer en las noticias”, o mejor todavía “hace un momento lo he leído en twitter”. Y cada vez tiene más mérito ser el primero en haberlo visto. Para así podérselo descubrir a los demás. Para sentir que uno ha sido el primero en algo. Y así, de paso, nos pasamos lo que decía Paul Newman por ahí…No, no pienso explicarlo. Seguro que en un minuto lo encuentra por internet. Y sino, pregúntele a algún contacto de sus múltiples redes sociales.

Inciso: contacto. Curiosa palabreja que se queda camino entre el amigo y el conocido. Quizá con mayor propósito de beneficio propio que de ofrecer bien gratuito a lo ajeno.

Sin embargo, sé lo que está pensando: “aquí al amigo criticando el entorno global que nos mantiene atrapados a una red innecesaria y probablemente estúpida, pero él, bien que tira del blog para que otros le lean y encima tiene los huevos de enlazarlo en facebook. Ya le vale”. Sí, querido mío. Ya le dije que la entrada iba a ser mezquina por los cuatro costados.

Pero la siguiente vez que vaya a perder el tiempo rebuscando algún video estúpido por la red para enseñárselo a sus "contactos", puede pensar que hay un tronco deshaciéndose en brasas y esperando a que se siente a su lado para observar cómo se convierte en ceniza. La próxima vez que se vuelva loco porque se ha caído la conexión a internet, piense que hay un trozo de césped o un rincón de arena en algún lugar del mundo esperando a que usted se tumbe sobre él para contemplar la inmensidad de un cielo estrellado. La próxima vez que vea que tiene que contestar a las ocho llamadas perdidas que ha encontrado en su móvil sin responder, piense que hay alguna habitación poco iluminada y vacía, esperando a que usted converse con el silencio durante horas. Sí, durante horas.

Pero claro…¿qué sentido tiene ahora dedicarle tiempo al fuego del hogar o sencillamente a charlar con el silencio absoluto de la habitación que le rodea en este momento? En un tiempo tan plagado de ruido, probablemente ninguno. Porque nos hemos convertido en una oda a la boga. En un poema a la buena aceptación. Seres (me inventaré un par de términos) “supersocialmentedotados y culturinternetizados”. Ya lo ha leído al principio…pero no había mucho tiempo para preguntarse por qué dos definiciones aleatorias al inicio de la entrada. Claro… que tiene prisa, y aquí todavía no hemos llegado a ninguna conclusión. Disculpe que me haya ido por las ramas. Sólo quería decirle que usted también vive agobiado. Y que yo, probablemente también. Ya se lo dije en el título y con falta de ortografía incluida, pero tenía demasiada prisa como para leerlo del revés.

[La foto la saqué hace algunos años, en un rincón perdido, en una hoguera perdida, rodeado de mucho silencio. Porque se puede hablar durante horas con el silencio sin echar de menos tanto ruido. Además, tiene la ventaja de que la conexión rara vez se cae.]

Cuando los Reyes traen carbón...

2012-01-08T02:19:00.007+01:00

Por si alguien por estos lares todavía no se ha enterado, hay un par de manifiestos en internet que recogen firmas para apoyar a los programas de televisión "Bobinas" y "Borradores", que se eliminan de la parrilla de la cadena pública Aragón Televisión.

En su momento, ya manifesté lo que opinaba al respecto de esta decisión. Pueden firmar, para que al menos, el descontento llegue a los oídos de los responsables de esta decisión, que a buen seguro, se parapetarán en los recortes presupuestarios y en las bajas audiencias recogidas por ambos programas para justificar la salida de parrilla de los mismos.

http://manifiestobobinas.blogspot.com/

http://manifiestoborradores.blogspot.com/

Una mirada al 2011

2011-12-31T01:51:00.012+01:00

El año se acaba y una vez más, volveré a la ya clásica lista de las diez películas del año. Algo que ya casi es tradición por estos lares (y entre compañeros de la blogosfera), tras las miradas en años pasados al 2008, 2009 y 2010.Digamos, que cuatro años...ya puede ser tradición, ¿no?

Como siempre se me han escapado algunos títulos importantes a lo largo de este año como “El niño de la bicicleta” (habitual en muchas listas), "Los pasos dobles" o las recientes “Drive” y "El topo", de las que hasta ahora, todo el mundo habla maravillas. Pero aún así, ahí van mis diez. Siempre siguiendo la norma que han tenido estreno en la cartelera española. Siempre desde el punto de vista personal (claro está) y atendiendo a criterios completamente subjetivos. Tengo que detallar, que entre las dos primeras, no tengo ninguna preferencia particular. Ambas me parecen grandes obras cinematográficas. Y que de haberse estrenado en España, "The Turin horse" (Béla Tarr) estaría entre la parte alta de esta lista.

1. CISNE NEGRO (Black Swan) de Darren Arofnosky.

Creo que ya se ha dicho casi todo sobre la mejor película de Arofnosky hasta el momento. Vista en el cine y revisitada en su edición de DVD, me parece una delicia para los sentidos. Una obra completa, sin fisuras, contundente. Natalie Portman (y su doble), ambas espectaculares. Una película de esas por las que el merece la pena seguir amando este arte donde imagen y música se mezclan a la perfección.

2. EL ÁRBOL DE LA VIDA (The Tree of Life) de Terrence Malick.

Lo mejor de la última película de Malick es que trasciende al propio medio cinematográfico. Una obra para sentirla, para vivirla conforme avanza el metraje. Una experiencia, un viaje único para cada espectador. Una película para sentirla plano a plano y para revisitarla en el futuro en más de una ocasión. Probablemente, un legado cinematográfico.

3. THE ARTIST de Michel Hazanavicius. Mejor película europea del año.

Magia en estado puro. Cualquier persona que ame este medio creo que sonreirá con este homenaje. Desde el Ed Wood de Tim Burton no recuerdo una película que respirara tanto amor por este oficio. En una época que pretende imponerse en tres dimensiones, The artist demuestra que eso no depende para nada de la tecnología, sino de la emoción plasmada en los personajes en cada fotograma. ¡Qué maravilla!

4. DE DIOSES Y HOMBRES (Des hommes et des dieux) de Xavier Beauvois.

Reconozco que es la película con la que peor lo he pasado este año en la sala de cine. Me tuvo tenso a la butaca durante todo el metraje. Una película que habla sobre religión, pero también sobre la identidad cultural sin ser pedante ni pesada. La secuencia de los monjes reunidos en torno a la mesa para decidir qué hacer con el monasterio y la secuencia de la última cena de ellos en el monasterio no tienen precio.

5. NO HABRÁ PAZ PARA LOS MALVADOS de Enrique Urbizu.

Mejor película española del año.

Pues sí. Un thriller en toda regla que nos deja, entre otras cosas, al mejor José Coronado, un acercamiento al 11-M sin caer en el ridículo ni recrearse en las víctimas ni en la sensiblería, y un par de persecuciones al estilo del mejor cine negro con mucha cinefilia por detrás. Todo bañado de la austeridad que caracteriza a Urbizu y ese tono tan crepuscular que tan bien sabe imprimir a sus películas. Con derecho propio, a estar entre las diez películas del año. Lo peor, es que Urbizu no pueda rodar más a menudo en nuestra cinematografía. En otras, estaría haciendo una peli por año.

6. ATTACK THE BLOCK de Joe Cornish.

Para mí la gran revelación del año. Crítica en Cine para leer.

7. THE FIGHTER de David. O. Russell.

La historia de dos hermanos, cara y cruz de una misma familia obrera. Es tan desgarradora, que no hace falta nada más, a parte de un buen puñado de actores bien dirigidos y una cámara vivaz para capturar todos los matices de esta cinta. The fighter gana el combate por puntos. Sobre todo, porque ya hemos muchas películas de un corte muy parecido anteriormente. No sorprende, pero tampoco lo necesita. porque impresiona por un guión muy sólido y por la mejor interpretación masculina del año (a mi parecer), la de Christian Bale en la piel del ex-boxeador y heroinómano Dicky Eklund, que vuelve a resultar infalible en al metamorfosis física y en la transformación psicológica del personaje.

8. UN MÉTODO PELIGROSO (A Dangerous Method) de David Cronenberg.

La clásica historia de dos hombres atrapados por una misma mujer. Película que parece hecha para psicólogos (por la abundancia de datos biográficos constantes), pero que sin embargo refleja (como en pocas películas) los primeros pasos de la nueva Europa tras el inicio de la psicología Freudiana-Jungiana y bajo la sombra de la amenaza nazi. Algo alejada del estilo habitual de Cronenberg, la película mantiene un pulso complicado al espectador, haciendo que asista a los temores más inconfensables y a los deseos más ocultos de aquellos que influyeron de forma definitiva en el pensamiento contemporáneo. Como película
biográfica no tiene precio: tres biopics al precio de uno. ¿Qué más se puede pedir?

9. MELANCOLÍA (Melancolía) de Lars Von Trier.

Ya sabemos que cuando se habla de Von Trier la cosa se pone blanco pálido o negro oscuro, según la tendencia de cada espectador. A mí Melancolía me dejo gris, pero sin embargo, reconozco que hay una gran película en las imágenes del imaginario Von Trier. Su visión apocalíptica sobrecoge. Y aunque me parece mucho más serio su acercamiento a la depresión en Anticristo, aquí sigue profundizando, como nadie, en uno de los aspectos más peliagudos de la condición humana. La atmósfera y la repetición musical constante todavía resuenan. Por cierto, cada vez nos tiene más acostumbrados a que en sus películas encontramos el mejor prólogo del año y normalmente uno de los finales más impactantes. En este caso, literalmente.

10. EL HAVRE de Aki Kaurismäki.

Única en todos los aspectos. En El Havre se mezcla la comedia con la tragedia, el cine social con la fábula, la filosofía con el humor visual. Y todo funciona. Como es habitual en el director, la fotografía es un disfrute para la vista y además el final (que bien pudiera ser un deux-ex machina en toda regla), logra un efecto placebo de felicidad inmediata. Yo al menos, salí del cine sonriendo como si una droga placentera me hubiera tomado. La secuencia del policía entrando con una piña en el bar es lo que más me ha hecho reír este año en la sala. Así de fácil y de complicado a la vez.

Y si pudiera hacer un par de menciones, en primer lugar lo haría con “No tengas miedo” de Montxo Armendáriz. Principalmente, por su atrevimiento y su seriedad ante un tema peliagudo con una película muy arriesgada que ha sido maltratada en taquilla pero que debería ser de obligado visionado. Además, Michelle Jenner deja una de las mejores interpretaciones del año dando vida a Silvia y Montxo ofrece una lección magistral de cómo trabajar el punto de vista desde la cámara siendo fiel al personaje (hable con mayor detalle del tema aquí). En segundo lugar, lo haría con "Un dios salvaje" (Carnage) de Roman Polanski. Como siempre, Polanski da la talla y ofrece una pequeña píldora bastante claustrofóbica para replantearse de nuevo el tema de los prejuicios sociales.

He disfrutado mucho también con "Mientras duermes", la última película de Jaume Balagueró. Probablemente su cinta más madura. César, el personaje al que da vida Luis Tosar es tan deleznable como intrigante. Y lo peor, es que acabas por empatizar con él. Una perversión en toda regla. Me ha parecido también muy perversa (ya lo dije en el blog), "La piel que habito" de Pedro Almodovar. Y aunque no hayan gustado a la mayoría, disfrute mucho en el cine con "Blackthorn: sin destino" (mucho más que con el remake de "Valor de ley" de los Coen, me sigo quedando con la de Hathaway), con "Super 8" de J.J. Abrahms (cosas de la infancia), con "Scream 4" (cosas de la adolescencia, aquí diez motivos para ir a verla) y con "Más allá de la vida" (cosas del fervor a Eastwood).

Como óperas primas destacadas (de lo que he visto), me han llamado mucho la atención dos: “EVA"de Kike Maíllo (crítica en Cine para leer) y la argentina “Rompecabezas" de Natalia Smirnoff (crítica en Cine para leer). Ambas más que destacables para ser una primera película.

De la animación, mejor ni hablamos, porque con el reestreno de "El rey león" en los cines, cualquier mínimo atisbo de objetividad desaparece. Aunque reconozco, que este año para mí el pulso lo gana Dreamworks y no Pixar. "Kung Fu Panda 2" estuvo realmente bien para ser una segunda parte.

Y hasta aquí con el 2011, en el que además, he decidido no dedicar ni un renglón a las decepciones del año, que han sido unas cuantas.

Uno, que se va haciendo mayorcete y ya prefiere hablar solo de las cosas buenas...Las malas, mejor las dejamos atrás.

¡FELIZ AÑO 2012!

Cinco motivos para echar de menos a BOBINAS

2011-12-28T22:26:00.007+01:00

Desconozco las razones por las que BOBINAS, el programa magazín especializado en cine de Aragón TV, puede que desaparezca de la parrilla de la cadena autonómica. No me sorprende en absoluto, a pesar de sus cinco años en la programación televisiva aragonesa. Sobre todo, viendo la retirada de programas de mayor audiencia en horarios de máxima competitividad. Probablemente, las razones de su retirada serán múltiples y atiendan a criterios de todo tipo. Desde aquí no quiero encaminar una de las últimas entradas del año a la reivindicación, a la crítica o al pataleo gratuito. De hecho, estaba más pendiente estos días de hacer repaso cinematográfico para rescatar las ya clásicas 10 películas del año. Pero la actualidad manda…

Entiendo que una televisión atiende a su economía, a pactos empresariales y por supuesto a su público, es decir, a su audiencia. Entiendo que una televisión pública, además, debe ofrecer unos contenidos culturales mínimos al ciudadano. Y entiendo, que las jotas (nos gusten más o nos gusten menos), forman parte de esos contenidos culturales. Con lo que, culturalmente hablando, la ración ya está más que servida. Además, también entiendo que la audiencia mayoritaria de la cadena autonómica aragonesa es una audiencia principalmente envejecida y puede que mayoritariamente rural. Y a los señores/as mayores que viven en los pueblos las jotas les gustan (y mucho).

Aún así, y sumándome a las pequeñas muestras de apoyo como la que Nacho Estaregui ha dejado en su blog, sí que quiero recoger en cinco sencillos motivos, las razones por las que considero que Bobinas debería continuar en la parrilla de Aragón TV (aunque de poco, o nada sirva).

Por el indudable apoyo que el programa ha supuesto al sector cinematográfico y audiovisual aragonés en los últimos cinco años.

Por la cobertura informativa que el programa en cuestión realizaba, estando presente en entregas de premios como Los Goya, pero también en festivales mucho más humildes, haciendo una completa cobertura del panorama cinematográfico de la comunidad autónoma. Además, Bobinas cubría cualquier charla, ponencia o acontecimiento de carácter cinematográfico,independientemente del lugar en qué se produjera a lo largo y ancho de Aragón. Cobertura, por otro lado, muy necesaria dado que en muchos de estos acontecimientos, Bobinas era el único medio de comunicación que cubría el evento en cuestión (ya que Heraldo de Aragón, Periódico de Aragón o los servicios informativos de Aragón Televisión, por cuestiones de agenda o volumen informativo, no siempre han estado presentes en todos los actos de carácter cinematográfico).

Por su labor de difusión del audiovisual aragonés (y no aragonés). Bobinas se comprometía a proyectar trabajos audiovisuales de aquellos que no tienen otra forma de exhibirlos, acercando al espectador aragonés los productos audiovisuales más relevantes de la Comunidad Autónoma. Además, servía como ventana de exhibición para los trabajos que resultaban premiados en los festivales de cine de Aragón, acercando de este modo, estos trabajos a todos los espectadores de la Comunidad Autónoma.

Porque la educación audiovisual nunca está de más y Bobinas contribuía a esa educación audiovisual proyectando cortometrajes, documentales y videoclips y dando voz a sus creadores para que explicaran sus trabajos. El programa servía por tanto, para (indirectamente) educar audiovisualmente al espectador.

Porque una televisión autonómica de carácter público debería confiar en la cantera de su comunidad autónoma (la que además puede que en el futuro nutra de programación su parrilla a través de productoras audiovisuales), y porque decir no a un programa como Bobinas, supone cortar una clara vía de exhibición de los trabajos que se realizan en nuestra comunidad, cerrando una importante ventana al audiovisual aragonés.

Y además, porque los amantes del cine que hay en Aragón, entre los cuales me incluyo, también pagan sus impuestos y tienen derecho a saber qué se cuece cinematográficamente en su comunidad autónoma. Desde aquí todo mi ánimo para el equipo de Bobinas. Ojalá que sólo sea un “hasta luego”.

Para los que nunca hayan visto el programa, adjunto uno de sus últimos reportajes, en el que además, tuve el gusto de responder un par de preguntas.

Premio en el IV Certamen de Cortometrajes de Bujaraloz

2011-12-19T09:19:00.006+01:00

Este fin de semana "La Granja" ha recibido su 13º premio en el IV Certamen de Cortometrajes de Bujaraloz (Mejor cortometraje aragonés), donde además nos han tratado de maravilla.

Por otra parte, llega una nueva selección en el I C-FEM. I Festival de Cine Fantástico Europeo de Murcia. Se proyectará en fechas navideñas.

Los ecos del premio en la prensa: Heraldo de Aragón y el Diario del Altoaragón.

10º Aniversario de "El Señor de los Anillos"

2011-12-12T10:39:00.003+01:00

Ya han pasado diez años del estreno de la primera parte de la saga de "El Señor de los anillos". Es un buen momento para reflexionar sobre cómo ha influido este fenómeno cinematográfico.

Estos días, en la Facultad de Comunicación de la la Universidad, se pueden ver las tres películas en su versión extendida, además de asistir a las charlas en las que se analizará el fenómeno desde una triple perspectiva: como modelo de producción, su adaptación de la novela y finalmente, el modo en el que el público recibió las películas.

Más información sobre las charlas-coloquio y los horarios aquí.

Attack the block

2011-12-11T16:52:00.003+01:00

La crítica en Cine para leer.

Más festivales en Aragón

2011-12-04T19:45:00.002+01:00

Más proyecciones de La Granja en Aragón.

La primera, en la sección oficial del XVI Festival de Cine de Zaragoza. El martes 6 a las 18:00 horas en el Centro de Historia.

La segunda, en el IV Certamen de Cortometrajes de Bujaraloz, donde optamos al premio a Mejor corto aragonés. Se proyecta el viernes 16.

Además, el 8 de diciembre, proyección y charla-coloquio en Candasnos, donde se rodó el cortometraje.

III Jornadas de Ficción en Cine y Televisión

2011-11-27T18:02:00.004+01:00

Como viene siendo habitual, un año más continuamos con las Jornadas de Ficción en Cine y Televisión. Este año, con un cartel de ponentes de lujo.

Pueden encontrar más información del evento, aquí.

Premio en ALCINE, IKUSKA y en FILMIN

2011-11-20T21:44:00.006+01:00

Recibimos tres nuevos premios. Uno muy especial, al entrar a formar parte del palmarés de Alcalá de Henares. ¡Enhorabuena a todo el equipo! ¡Y gracias a todos los que votasteis el corto en Filmin!

Premio a Mejor Interpretación Masculina para Pepo Oliva en el 41º ALCINE. Festival de Cine de Alcalá de Henares

Premio a Mejor Dirección en el Ikuska 2011, Muestra de Cortometrajes de Pasaia.

(

Premio Filmin a Mejor Cortometraje del XXX Festival de Terror de Molins de Rei.

Igualmente llegan dos nuevas selecciones. En el Cortogenial 2011 y en el XVI Festival de Cine de Zaragoza. Cuando llegue el momento, informo de las proyecciones.

Agenda La Granja. En el País Vasco.

2011-11-14T12:05:00.005+01:00

Semana de proyecciones en el País Vasco.

El miércoles 17, participamos en la sección a concurso del XV Festival de Cortometrajes de Vitoria Cortada 2011 y el viernes 19, en la sección a concurso del Ikuska 2011, Pasaia (Guipuzkua).

Agenda La Granja. ALCINE.

2011-11-10T20:12:00.003+01:00

Este fin de semana llega una de las citas más importantes del cortometraje nacional e internacional.: ALCINE 41. Festival de Cine de Alcalá de Henares.

Y allí estaremos, proyectados entre los 36 cortometrajes de la sección oficial nacional. La proyección (35mm) será el sábado 12 de noviembre a las 19:45 horas en el Teatro Cervantes. Un lujo. Si están cerca, ¡será un placer verles allí!

La crítica de Verbo.

2011-11-07T11:23:00.002+01:00

La crítica de Verbo en Cine para leer.

¡Seis premios para La Granja! Y en Filmin.

2011-11-06T14:21:00.006+01:00

Después de una semana cargada de proyecciones, recibimos seis premios.

Mejor cortometraje y Mejor Interpretación (Juan Manuel Lara y Pepo Oliva, compartida) en el XXX Festival de Terror de Molins de Rei.

Mejor Director, Fotografía (Fran Fernández-Pardo), Montaje (David Gutiérrez de Soto) e Interpretación (Juan Manuel Lara) en la XVI Semana de Cine de Fuentes de Ebro.

Además, el cortometraje se puede ver en Filmin hasta el próximo 11 de noviembre, y se puede votar para el Premio del Público en Internet. ¡Voten, voten (y háganlo con dieces)!

Crítica de EVA

2011-11-01T09:52:00.002+01:00

La crítica de EVA, en Cine para leer.

Agenda. La Granja. 15º Festival.

2011-10-31T12:15:00.005+01:00

Esta semana, triple cita para el corto.

El miércoles se proyecta en la XXII Semana de Fantástico y Terror de San Sebastian, en la sección oficial de cortometrajes españoles.

El viernes, se proyecta como finalista del XXX Festival de Terror de Molins de Rei y también en la sección oficial de la SCIFE 2011 (Semana de Cine de Fuentes de Ebro), donde el cortometraje recoge 9 nominaciones.

Finalistas en "La Boca del Lobo"

2011-10-29T20:56:00.003+02:00

"La Granja" finalista a Mejor cortometraje nacional en el XIV Festival de "La Boca del Lobo". Un lujo formar parte del palmarés del Festival, sobre todo, viendo el altísimo nivel del resto de cortometrajes.

Aquí el palmarés completo.

III Maratón Halloween

2011-10-27T12:18:00.004+02:00

Un año más, hemos preparado un suculento plato para estas fechas. De entrada libre en el Aula Magna de la Facultad de Comunicación de la USJ. Como siempre, todas las películas en V.O.S.

Por cierto, "El día de los muertos" y "Hellraiser" se proyectarán en HD. Más información de las películas en el blog del Cineclub Overlook.

Proyecciones de "La Granja" en Madrid

2011-10-24T10:20:00.005+02:00

Tras la proyección en el XIV Festival Nacional de cortometrajes Aula 18 y el Premio a "Mejor director joven" en el XIII Festival de Cine de Calahorra, llega una nueva cita para "La Granja" en Madrid.

El martes, proyección en la Academia de Cine, precediendo a "Dias contados" de Imanol Uribe.

El miércoles, en la sección oficial a concurso del XIV Festival Internacional de "La Boca del Lobo".

¡Qué lucidez pardiez!

2011-10-19T01:05:00.004+02:00

Imitando a aquel anuncio de coca-cola en el que se buscaban analogías entre los consumidores de coca-cola y su producto a través de los envases (pongan ustedes el acento argentino)...

A los estudiantes que quieren ser periodistas, comunicadores audiovisuales o publicicistas, a los profesores que imparten clases en las facultades de comunicación, a todos los que escriben en blogs, a los que leen esos blogs, a los que escriben en periódicos, a los que leen esos periódicos, a los que todavía compran periódicos, a los que ya no hacen, a los que los leen prensa por internet, a los que leen prensa gratuita, a los que editan y distribuyen prensa, a los que se lucran con esos periódicos, a los políticos, a los que todavía creen en el periodismo, y a los que ya casi no creemos en él...a todos. Para todos...

Obligatorio.

Imprescindible.

Esta entrevista, sencillamente genial, a David Simon (periodista y creador/guionista de las series The Wire y Treme)

Sugar de Jeroen Annokkee

2011-10-15T12:40:00.004+02:00

El cortometraje holandés que ha ganado el Méliès d´Or entregado por la European Fantastic Film Festival Federation.

¡Cuidadito con los accidentes domésticos!

Un breve repaso al Festival de Sitges 2011

2011-10-11T21:45:00.008+02:00

Tres apuntes breves tras el paso por el Festival de Sitges:

Después de presentar el corto dentro de la categoría Brigadoon, he podido hacer un buen tournet de películas en los días que he pasado en Sitges. De entre todas las películas que he visto destaco tres: “The Turin horse” (Bela Tarr) y “The yellow sea (Ha Hong-jin) y “Mirages” (Talal Selhami).

La primera, última película de Bela Tarr, supone un ejercicio fílmico, estético y visual de primer orden. En la clásica línea del director húngaro, The Turin horse está cargada de planos secuencia milimétricamente medidos para narrar una historia con lo mínimo de los mínimos. Una vez más, en blanco y negro. Poco le hace falta al director húngaro para profundizar en la psique de sus personajes, y para deslumbrar una vez al espectador, con un cine poco habitual en las salas, pero de gran calado técnico, temático y estético. La música le deja a uno sin aliento. Imprescindible. Lo mejor: la capacidad de contar una gran historia con muy poco.

La segunda, la coreana The yellow sea, nos dejó a todos los que estábamos en el Auditorio con la boca abierta, y recibió una sonada ovación al finalizar la sesión. La película ya acaparó mucha atención el la pasada edición del Festival de Cannes. Este thriller de ritmo trepidante está a la altura del mejor Michael Mann y aprovecha las posibilidades del digital para trazar una historia cargada de violencia y sorpresas. Parece una versión contemporánea de "Con la muerte en los talones", pero adaptada a los tiempos que corren. Estoy deseando ver la primera película de su director (The Chase), porque me he quedado impresionado con la calidad del film. Sin duda, lo mejor que he visto en estos días. Lo mejor: las luchas a cuchillo y hacha que mantienen sus protagonistas y dejan sin aliento al espectador.

La tercera película, la marroquí Mirages, es la ópera prima de su director. Sí, han leído bien. Una película de género rodada en Marruecos, lo cual ya es extraño de entrada. La historia se centra en un grupo que opta a un puesto de trabajo, y que tras un accidente provocado por la empresa, deben sobrevivir en medio del desierto. Allí el grupo se enfrenta a sus propios miedos, a la naturaleza extrema que les rodea, y al resto de sus compañeros para sobrevivir. La película, un “survival” en toda regla, aprovecha al máximo a sus actores, y contiene más de una secuencia de esas que le quitan a uno el aliento. Recuerda mucho a “Lost”, y al “El método”, pero en una línea mucho más salvaje. Lo mejor: los arcos de transformación de cada personaje en función de sus propios miedos y las visiones a través de los espejismos.

Y hasta aquí, este breve repaso de lo que más me ha gustado de Sitges. Si las llegan a ver, ya me contarán qué les han parecido (no sé si encontrarán distribución por aquí). Nosotros, nos venimos contentos y satisfechos, tras la buena acogida que tuvo “La Granja” después de su proyección (a pesar de que no se proyectara en 16:9 y no en su formato original 2:35, algo a lo que desgraciadamente, uno se acaba acostumbrando en los festivales)

¡Larga vida al Festival de Sitges!

¡Brigadoon!

2011-10-03T21:11:00.004+02:00

¡Vamos que nos vamos! La noticia de la participación de nuestro cortometraje en el Festival de Sitges, reseñado en Heraldo de Aragón.

-Aunque no aparezca en la noticia, no seremos el único cortometraje aragonés. El cortometraje "Luz", de Pablo Aragüés también forma parte de los 14 cortometrajes seleccionados para la sección Brigadoon que optan al Premio Paul Naschy. Así que no es un corto aragonés, sino dos cortometrajes aragoneses los que participan en el 44ª Sitges Film Festival.

Cuatro años de blog implacable

2011-09-14T10:05:00.006+02:00

Ni mucho menos pensaba que iba a durar tanto tiempo abierto este blog. De hecho, cuando empecé a escribir en él, fue principalmente para contar la experiencia que viví con el cortometraje “Salomón”. Con el tiempo, y como es inevitable, he terminado por escribir de todo aquello que "me gusta" (en tiempos de redes sociales corresponde usar esa expresión), y también de lo que no. Y así, se han ido colando entradas sobre guión, estrenos, documentales, películas, series de televisión, música, teatro, educación, crítica, videoclips, sobre los cortometrajes que ruedan otros y con bastante frecuencia sobre los que voy rodando yo también. Si la memoria no me falla, hasta sobre fútbol creo que hablamos por aquí…Y la verdad, que con el tiempo, encuentro difícil no escribir una entrada de vez en cuando.

El pasado domingo (11-S), el blog cumplió su cuarto aniversario, sobreviviendo a la implacable oleada de las redes sociales. Así que toca dedicar una entrada a los que están al otro lado. Muchas gracias a todos los asiduos que se pasan por este rincón, a los que lo hacen de forma esporádica, a los que lo han descubierto recientemente, a los que dejan comentarios, a los que no lo hacen nunca, y a los que de repente en mitad de una conversación te dicen: “por cierto, sigo tu blog”, dejándote con cara de palo sin saber muy bien qué decir. Lo que a uno le recuerda, que hay un emisor, pero al otro también un receptor.

Desde que instalé el contador de visitas (hará un año), hemos pasado de las 20.000. No sé si son muchas o pocas, pero sé que animan a seguir escribiendo. Principalmente, por una razón: en estos cuatro años, el mundo de ahí afuera, sigue siendo igual, o más implacable que antes. Y eso creo yo, ya es motivo suficiente para seguir escribiendo. Un año más, feliz cumpleaños implacable.

La Granja y Laura Contreras

2011-09-12T12:01:00.002+02:00

Si para esta tarde no tienen un plan mejor, pueden ir a ver La Granja al Ámbito Cultural de El Corte Inglés en el ciclo "Conoce a...Laura Contreras". A las 19:30. Después de la proyección, Laura y servidor, tendrán una charla - coloquio con el público asistente.

Tambor de juguete

2011-09-08T01:32:00.004+02:00

Caminaré por la calle hasta perder la cuenta de las baldosas que tiene esta ciudad. No sé si antes, o después de que note el pinchazo en el pecho, me detendré frente al escaparate de viejos juguetes. Me llevaré la mano al corazón. De forma impulsiva, como un acto reflejo, intentaré respirar para mantenerme en pie. No llamaré mucho la atención. Y pensaré en ti. Respiraré con cautela, pues es bien sabido, que llegado el delicado momento, siempre es bueno seguir siendo discreto. Intentaré no asustar al resto de viandantes. Desfiguraré el mundano ruido de los automóviles, me olvidaré de las luces de los semáforos y del calor que desprende el alquitrán. Me centraré en el pequeño tambor de madera pintado de rojo del centro de la vitrina. Y entonces, cuando note los últimos latigazos musculares, recordaré poco a poco el redoble de las baquetas retumbando en mis dedos aquel jueves santo lluvioso. Y pensaré en tus pechos escondidos bajo el camisón de seda la noche que dormimos bajo la encina. Pensaré en las hormigas que resbalando por las grietas del tronco se colaron entre las curvas de tu espalda. Recordaré la carcoma de la vieja hamaca que madre nunca barnizó en el corral. Y la tinaja de vino amargo que el abuelo olvidó en el desván. La baraja desgastada que la abuela manejaba con maestría y las robustas manos de padre siempre cubiertas de tierra. Recordaré el sabor de las almendras recién partidas en primavera y el olor de las brasas con las que asábamos castañas el día de los difuntos. Recordaré las papelinas colgando en el balcón por San Roque y los paseos en bicicleta cuando caía el sol de verano. Recordaré cómo los grillos se abrían paso ante tus tobillos y cómo tu cadera se contorneaba entre los juncos de la balsa. Recordaré el tacto de las sábanas recién lavadas colgadas del viejo olmo y el rumor de los vecinos cuando saliste a la calle con aquel vestido blanco ceñido. Recordaré la última vez que me apretaste la mano con fuerza antes del estertor definitivo, y poco a poco apretaré también con fuerza la mía contra el pecho. Pidiéndole a Dios escuchar por última vez el redoble del tambor, acariciar la mejilla de madre, limpiar la mano de padre…Pidiéndole a Dios, volver una última vez, aunque sólo sea, para descansar cerca de ti.

Una película complicada

2011-09-05T17:18:00.004+02:00

La piel que habito de Pedro Almodóvar me parece una película compleja. Compleja de ver, compleja de analizar y sobre todo, compleja de escribir y dirigir. El otro día escuché en una entrevista al director manchego, una declaración, que a priori, rezuma pedantería por los cuatro costados. Almodóvar declaraba que no hubiera podido realizar la película si no hubiera dirigido las diecisiete anteriores, y que esta película, sólo la puede dirigir alguien con mucha experiencia en el medio cinematográfico. Más allá de la campaña de marketing (donde Pedro Almodóvar es un experto) que suponga esa declaración, después de ver “La piel que habito”, no podría estar más de acuerdo con su director. Por irritante que suene a priori.

La complejidad de su trama, la profundidad de la banda sonora, el austerismo espacial y conceptual que la película posee, su guión retorcido hasta la saciedad (un guión invendible por otro lado e indefendible para cualquiera que no sea Almodovar) son algunso de los elemenos que me parecen demasiado extravagantes y singulares (tanto en fondo, como en forma) como para pasarlos por alto a la ligera. No sé si únicos, pero sí diferentes a todo lo que podamos ver en una sala de cine. Quiero partir de la hipótesis (quizá errónea) de que Pedro Almodóvar ha debido sufrir mucho para escribir este guión, independientemente de que esté basado en una novela, y de que tenga fuertes influencias de películas anteriores. Y partiendo de esta ridícula hipótesis (en el fondo casi siempre se sufre en mayor o menor medida para escribir), no creo que la película de Almodóvar sea una película fácil. La película -el guión más bien- acumula tanta perversidad, plantea tantas preguntas, y a su vez resulta tan repulsiva, que es difícil no reírse en varios momentos de la misma. Provocadas o no (me interesa poco la opinión de críticos como Boyero), esas risas funcionan en La piel que habito como una necesaria vía de escape para el espectador Aquí no estamos frente a una de esas tragedias nórdicas, o frente a una película a lo Michael Haneke que no suelen dejar ni un minuto de respiro. Tampoco creo que Almodóvar buscara eso. Pero sí que necesitamos reír para interiorizar según qué momentos del relato. Porque, aunque parezca ridículo en su planteamiento, asistimos a toda una aberración sin límites.

Puede que la venganza de la película no sea ecuánime al daño que le han infringido al protagonista (siempre se recomienda que la venganza sea proporcional para que funcione), puede que el giro central no se sostenga con claridad, y puede que esa mezcla melodramática y terrorífica que combina Almodóvar sean motivos para dinamitar la película y criticarla hasta la saciedad. Pero mentiría si no reconozco, que la película deja un poso, y que a diferencia de otras cintas del director manchego, me ha incitado (un poco) a pensar en el tan olvidado sufrimiento del artista. E incluso, como me señalaba una compañera de trabajo, puede que Almodóvar disfrutara escribiendo esta película (cuánta perversión entonces). Pero quiero pensar que no ha debido ser así de fácil para él.. Quiero pensar que algo turbulento, oscuro y maligno ha recorrido la espina dorsal del aclamado director para sacar de sus entrañas una película así. Quiero pensar, que alguien muy acomodado no es capaz de escribir algo así yque una historia así parte de una reflexión como artista a la que uno llega después de mucho tiempo, y de una buena dosis de implicación con la obra. Algo así como el Anticristo, esa obra tan desproporcionada de Lars Von Trier, y a la vez tan maligna y adictiva que el director danés escribió para salir de una gran depresión y que tantos palos le supuso. Porque lo maligno, a pesar de que casi siempre nos atrae, no siempre nos gusta. Y porque lo perverso, casi siempre nos devuelve una imagen de nosotros a la que no siempre queremos mirar, pero que invariablemente deseamos ver. Mucho o poco, Almodóvar ha debido sufrir escribiendo el guión de su película. La piel que habito contiene algo de verdad que se agradece en la sala de cine. Menudo descenso a los infiernos. Estoy de acuerdo, en que no cualqueira podría llevar a cabo un proyecto así. Y eso, a la postre, y por mucha tirria que le tengan algunos, sigue convirtiendo al director manchego, en un director único en el mundo.

-Y todo esto para decir, que la película me parece muy complicada, en todas las acepciones posibles del término-

Cineclub Overlook en internet

2011-08-30T09:41:00.005+02:00

En su momento ya comenté la importante labor que siempre realiza un cine-fórum o cineclub. Ese espacio de encuentro para el visionado en condiciones óptimas (V.O.S) y posterior reflexión sobre la película vista.

Nosotros este año estamos de estreno. Se inaugura el blog del Cineclub Overlook (cineclub de la Facultad de Comunicación de la Universidad San Jorge). De forma que el debate sobre lo visionado se puede extender en la red, además de acceder a todos los títulos proyectados, consultar sus fichas, así como seguir los títulos que se proyecten próximamente. Una excelente propuesta, que esperemos tenga buena acogida entre los que asisten asiduamente a este pequeño reducto para el disfrute y la reflexión y que anime a atraer más adictos al cineclub. Y también un motivo para celebrar la proyección de la película número 200 que llegará en breve. Este año, como todos, habrá sorpresas en el cineclub. No tenemos el capítulo final de Lost para proyectar en HD (como ya hicimos en su momento) pero seguro que algún acontecimiento llegará, además de los habituales maratones cinematográficos con motivo de Halloween y los premios Oscar. Desde aquí, mi agradecimiento a los que se han trabajado la web, para que este espacio de cinefilia continue vigente y también adaptado a los tiempos que corren.

El origen del planeta de los simos

2011-08-28T13:48:00.002+02:00

Vuelta de las vacaciones....con un poco de cine. La crítica de El origen del planeta de lo simios en Cine para leer.

Les vacances

2011-08-02T11:41:00.003+02:00

Durante este mes de agosto, este reducto de internet deja de tener actividad y se toma unas mini vacaciones. De momento, esta semana me encontrarán en Calanda, presentando La Granja y participando en la mesa redonda dedicada a "Crítica y cine" que organiza el Festival de Cine 22 x Don Luis. Como el resto del mes, espero no estar disponible, aprovecho a desearles unas felices vacaciones. ¡Hasta la vuelta!

La Granja en el 44º Sitges Film Festival

2011-07-26T09:47:00.010+02:00

¡La Granja seleccionada en el 44º Sitges Film Festival! (y lo pongo entre exclamaciones porque la ocasión así lo merece). Participará en la sección Brigadoon, optando al premio Paul Naschy. Sabíamos que no podíamos participar en la sección oficial porque el cortometraje ya no es inédito, (exigen estreno) pero aún así, estaremos en Sitges en la sección en la que sí podemos participar. Y será, sin duda, una de las mejores ventanas de exhibición que tendrá el corto (y de paso, haremos un intensivo de cine de terror, ¿qué más se puede pedir?).

Además, también han seleccionado el cortometraje en el XII Festival de Cortometrajes ¡Cort...en! de Calahorra (aquí nota de prensa) y en dos festivales de la tierra: el X Obuxfest. Festival de Cine extraño y de terror de Javierrelatre (Huesca) y en el VII Festival de cine 22x Don Luis de Calanda. De forma que en Agosto, hay un buen número de proyecciones repartidas por Aragón, para aquellos que quieran ver el corto y no hayan podido hacerlo. Adjunto el breve calendario:

5 de agosto. Proyección en Calanda.
11 de agosto. Proyección en Calahorra (esta no es en Aragón, pero tampoco queda muy lejos).
23 de agosto. Proyección en Zaragoza dentro del ciclo "Noches de verano" que organiza la CAI. (Vamos delante de la película "Vacaciones en ferragosto", esperemos no echar a muchos de la sala antes de que comience, porque me da que poco tienen que ver). Creo que la entrada son 3 €.
26,27 o 28 de agosto. Proyección en Javierrelatre (Obuxo).

Harry Potter y las reliquias de la muerte: parte II

2011-07-22T11:59:00.002+02:00

La crítica en cine para leer.

La cueva de los sueños olvidados

2011-07-20T12:38:00.002+02:00

Por fin encuentro una película que realmente me motiva para pagar la entrada de 3D. Habrá que esperar hasta noviembre.

A punto de comprar un caballo...

2011-07-19T14:55:00.002+02:00

Unas buenas botas de cuero. Un fardo viejo. Un sombrero de ala envejecido por los azotes del viento. Quien sabe si una buena petaca con tabaco de liar. Un par de revólveres. Un buen cargamento de munición. Un ukelele. Agua, mucha agua…whisky, mucho whisky, y por supuesto: un buen caballo. Son sólo algunas de las cosas que después de ver una película como Blackthorn (Mateo Gil, 2011), uno desea comprar en el primer todo a cien de la esquina del barrio.

Uno ve cabalgando a Sam Shepard (Butch Casidy) por el altiplano boliviano y se plantea dejarlo todo para irse a recorrer el mundo a caballo. A lomos de un caballo con pelaje marrón oscuro. Avanzando siempre sin mirar mucho más lejos del horizonte cercano. Echando la vista a las espaldas de vez en cuando para comprobar que nadie nos persigue. Levantando el menor ruido posible por cada pueblo que uno deja atrás. Durmiendo en viejos pajares. Acostándose con la primera camarera que se cruce en nuestro camino. Lamentándose por viejas heridas del pasado. Callando más que hablando. Apoyando sus pies sobre las tablas de madera con olor impregnado a alcohol del fondo de las cantinas. Despertándose junto a las brasas marchitas del fuego de la noche anterior. Cabalgando hacia ningún lugar. Cabalgando siempre hacia delante esperando a que la suerte sonría más la próxima vez.

Uno se olvida de lo incómodo que tiene que ser estar tantas horas bajo el sol sin protección, de lo duras que deben ser las resacas de whisky sin nada que llevarse a la boca para almorzar, de lo difícil que tiene que ser dormir entre chinches y pulgas en un pajar, de las enfermedades que uno puede contraer al acostarse cada noche con una prostituta distinta, de lo difícil que tiene que ser vivir siempre perseguido por la ley, de lo intranquilo que uno tiene que dormir junto a su fuego para no ser disparado en medio de la noche, de lo que tienen que doler las balas penetrando en tu cuerpo, de lo complicado de sobrevivir a un simple disparo que se cuela entre en tus huesos, del montón de problemas que supone poner los pies encima de la mesa en una cantina donde nadie te conoce, y de que montar tantas horas a caballo tiene que ser lo más incómodo para la entrepierna de cualquiera, a excepción de los inmunizados ciclistas del Tour.

Pero por eso, y por muchas otras razones, el western es tan genuino y tan antiguo. Por eso disfruto tanto con las películas de John Ford, Howard Hawks, Raoul Walsh, Nicholas Ray, Anthony Mann, John Sturges, Don Siegel, Sergio Leone, Sam Peckimpah o Clint Eastwood. Y también con la nueva de Mateo Gil (sea mejor o peor, lo cual poco me importa). Porque el western es el padre de todos los géneros. Y porque, aunque no tengo ni idea de montar, siempre quise tener un caballo.

Con Blackthorn salí del cine con ganas de comprarme un caballo y tomarme un whisky caliente. Me compré un billete de autobús y me comí un helado de limón. Y aún así…qué gran momento cuando una peli nos hace soñar de nuevo.

Dos cortos de animación

2011-07-14T11:50:00.004+02:00

Animación sin límites. El primero de ellos, lo ví dentro de la programación del Festival de Huesca. Me quede realmente asombrado. El segundo sólo lo he podido ver a través de internet. Para estos días veraniegos, siempre viene bien un poco de animación. Y como parece que Cars 2 no es lo que se esperaba de Pixar...

Logorama from Marc Altshuler - Human Music on Vimeo.

The Horribly Slow Murderer with the Extremely Inefficient Weapon

2011-07-07T09:13:00.002+02:00

Sé que llego algo tarde, pero confío en que habrá algún rezagado como yo, que todavía no lo ha visto. Simplemente, disfrutadlo (gracias Luis, por esa sesión de vídeos).

Manifiesto a favor de la alfabetización audiovisual

2011-06-28T09:09:00.004+02:00

Si estáis de acuerdo con el manifiesto, podéis enviar vuestra firma a la siguiente dirección: undiadecine@aragon.es, indicando vuestra relación con el audiovisual (profesor, cortometrajista, etc).

Participantes en el Festival de Cine de Huesca (3-11 de junio), personas que trabajan en el audiovisual en Aragón y profesorado de Primaria y Secundaria, con la coordinación de Aula de Cine y Un Día de Cine, han sucrito en 10 días el presente Manifiesto, una llamada de atención simbólica ante una competencia básica de este siglo XXI que nos parece fundamental. También se han sumado a él integrantes del Grupo Comunicar, del Festival Infantil y Juvenil de Cine de Medellín, de la Asociación de Realizadores Oscenses, etc.

MANIFIESTO A FAVOR DE LA ALFABETIZACIÓN AUDIOVISUAL

Vivimos en una era donde abunda la información de todo tipo, pero especialmente la de carácter audiovisual.

Habida cuenta de que esta información es cada vez más sencillo obtenerla (¡cada vez más gente la lleva en el bolsillo!), debemos subrayar que este libre acceso no implica un mayor conocimiento consciente de forma automática. Antes bien, se hace necesario filtrar la cantidad en aras de la calidad si queremos saber, comprender, por lo que parece evidente que una competencia básica entre la ciudadanía que se forma en las escuelas e institutos ha de ser la de lecto-escritura audiovisual, el conocimiento de este lenguaje y la recepción crítica de sus contenidos que transmiten valores y contravalores; ¡antes la ética que la técnica!, pero desgraciadamente para vender según que aparatos es más rentable enseñar su uso mecánico que enseñar a pensar sobre los mensajes que nos transmiten.

Anuncios, series, películas, informativos…, son consumidos por las generaciones más jóvenes a través de la televisión, Internet, los videojuegos y el cine sin ninguna preparación académica que les permita ser usuarios conscientes e informados, críticos, libres de elegir de un modo razonado.

Por todo ello, los abajo firmantes procedentes de 11 países queremos hacer pública nuestra opinión a favor de la existencia de una asignatura sobre la cultura audiovisual en las enseñanzas obligatorias para todas aquellas personas que las cursen e, igualmente, apoyamos que esta asignatura con mayores contenidos se imparta en los bachilleratos, cuando menos como optativa.

Firmado por:
Pablo Cantos, José Beltrán, Eva Latorre, profesores, y 97 firmas más.
Marta Escar
Maria Pilar Calvera Simón
Maria Pilar Latorre Ciria
Marta Potoc
Fernando Salamero
Luis Lorente Gracia
Sulma Patricia Rodríguez, Fundación CREA, Medellín
Luis Carlos Florez Contreras, Fundación CREA, Medellín
Patricia Arcarazo Loren
Marta Lacambra Mora
Jesús Ángel Sánchez
Álvaro Checa Romero
Alejandro Lasaosa Nacenta
Mercedes Ortiz Ortiz
María Jesús Pérez Hernández
Elisa León Piedrabuena
María Luisa Prigman Fernández
Cristina de Vega Martín
Luis Belarra
Oscar Martin Garcia
Carlota Frisón Fernández, actriz
Mercedes Fernández-Martrorell
Gonzalo del Campo Antolín
Pablo Pérez Rubio
Eva Vargas Sánchez
Lines Lasheras Teira
Ascensión Sesé Bescós
Pablo Gascón Vallés
Manuel Hernández Martínez
Pilar Mayoral Mozas
Ramón Cabrero Laliena
Natividad Murillo
Teresa Cuello
José María Pemán
Jornadas de Cine de La Almunia
Marta Puyal
Clara Zamora López
Paquita Martínez
Juan Villalba Sebastián
Olga Muñoz
Gonzalo Montón
José Ramón González Pastor
José Antonio Aguilar
SCIFE
Teresa Arnal
Luisa Monerri
Valentín Fiestas Bajén
José Antonio Amarilla Jaraiz
Mercedes Caballud Albiac
Javier G. Ledesma y Vera
Silvia Martínez López
Teresa Domingo
Rebeca Rodríguez
Joaquín Fernández Cacho
Gaizka Urresti, productor
Paz Rosado Garcia
Pilar Pérez Hernández
Enrique Martínez-Salanova Sánchez. Grupo Comunicar
Concepción Fernández Soto, Grupo Comunicar
MªCarmen Castro Rodríguez, Comunicar
Pilar Benítez
Francisco Beltrán
Francisco M. Bailo Lampérez
Pedro Moreno Pérez
Luis Antonio Alarcón Sierra
Pilar Meléndez Monterde
Ana Calvo
Arantxa Sanjuan
Asociacion de Realizadores Oscenses,
Jesús Bosque
Pilar Barrio
Fernando Guaza
Irene Bailo
CP San Gregorio
Luis Cavero
Alejandro Lasaosa
Cesar Bona
Begoña Lacasa
César Bernal
Ana Carmen Gonzalvo
Natividad Almarcegui
Marisa Aguerri Martínez
Roberto Sánchez
Angel Gonzalvo
Alberto Olivar

Cortometrajistas:
Emiliano Cunha
María José Sanmartín
Ignacio Lasierra
Selina Rodríguez
María José San Martín
Mikel Zataraín
Pablo Millán
Ana Lombao
Renato Gaiarsa
Ramón Lez
Pablo Menéndez
Josep Prim
Pepe Quintanilla
Gerard Uzcategui
Maxi Campo

21 de junio de 2011

Crematorio. Ficción nacional de calidad.

2011-06-27T10:23:00.013+02:00

Después de ver los ocho capítulos de Crematorio (Canal +, 2011), ya puedo decir sin vacilar que es una serie de obligado visionado. La serie, basada en la novela homónima de Rafael Chirles (Premio Nacional de la Crítica 2008) y producida por Mod Producciones (Ágora, Biutiful), tiene todos los ingredientes necesarios como para que no pase desapercibida ante el espectador. Ante su reciente edición de DVD, ya no hay excusa para no disfrutar de una de las mejores series nacionales que ha dado nuestra tele. Pero, ¿por qué tengo que ver Crematorio?

Pues porque la serie aglutina multitud de personajes bien contruidos tramas interesantes y verosímiles, una temática de plena actualidad, una realización más que destacable, y porque su reparto es un buen ejemplo de lo que significa encajar el personaje en el actor correcto. Crematorio ha contado con un equipo de producción de primera línea (Fernando Bovaira, Juan Moreno, Susana Herreras o Koldo Zuazua entre otros) y con la dirección de Jorge Sánchez – Cabezudo (La noche de los girasoles) y de Oskar Santos (El mal ajeno) en la 2º unidad. Se ha rodado como si de una película se tratase (Red One a 4K con ópticas Masterprime, multitud de exteriores y rodaje por localizaciones) y eso en el resultado final se nota. Crematorio narra el ascenso y caída de un empresario constructor en la costa valenciana: Ruben Bertomeu (José Sancho), lo más parecido a un Tony Soprano a la española. Bertomeu es alguien que mira por el bienestar de los suyos y que a la vez se cree un pequeño dios que puede conceder cualquier deseo, tanto a sus allegados, como los de los demás. Un personaje con muchas luces, pero sobre todo con muchas sombras. A través de una estructura basada en continuos flashbacks, el personaje de Bertomeu y su entorno (familia, amigos, políticos, abogados, mafiosos) se despliega ante el espectador con una veracidad casi inaudita para una serie de ficción nacional. Crematorio ha sabido beber de las recientes series de ficción dramáticas estadounidenses y lo ha incorporado a un universo tan cercano para los españoles, como lo es el de la construcción en la costa mediterránea. Esa es probablemente su mayor virtud: asemejarse a la ficción norteamericana, pero adaptándose al espectador español. Es decir, construir un universo de ficción que no está tan alejado de lo que casi a diario se puede ver en los informativos, de forma que el espectador identifique rápidamente lo que ve, y lo relacione de forma subjetiva, con lo que ha escuchado al medio día en el telediario. No quiero extenderme, porque los méritos de Crematorio exceden a lo que pueda aportar desde esta entrada. Pero no cabe duda, que sus méritos son mucho mayores que sus defectos. De hecho, la entrada tan sólo era para recomendarla encarecidamente a los adictos a la ficción nacional, pero sobre todo, a los escépticos que siguen sin creer que en España se pueden desarrollar productos de ficción televisiva de calidad. Crematorio es un buen ejemplo, de que si se hacen bien las cosas, aquí también se pueden desarrollar series de calidad. Denle una oportunidad (si pueden verla en HD mejor que mejor). Y si no van a verla, siempre pueden disfrutar de estos títulos de crédito con tanto gusto.

Una serie que empieza con Loquillo… no puede ser una mala serie.

Micmacs de Jean Pierre Jeunet

2011-06-23T09:18:00.005+02:00

La crítica en Cine para leer.

Mimando al cortometraje: Festival de Cine de Huesca.

2011-06-18T10:23:00.012+02:00

Un festival de cine suele ser, por lo general, un lugar inhóspito y extraño. Por un lado, porque es un lugar tu cortometraje casi siempre entra en competición con otros cortometrajes, a pesar de que nadie rueda nunca con esa intención. Nunca suele haber gran tensión en ese sentido, pero sí ciertos nervios (quien no los tenga o miente, o no sabe lo que cuesta un cortometraje), por lograr algún premio para amortizar la inversión realizada. Normalmente, se aceptan las reglas rápido, y uno entiende que parte de su trayectoria cinematográfica depende proporcionalmente de las selecciones y premios que pueda recibir su cortometraje en su distribución, y del número de personas que finalmente puedan ver el corto. Así funciona la industria cinematográfica y hay que asimilarlo pronto. Como dice Vigalondo "los cortometrajes existen porque hay festivales, no a al revés". Pues eso. Por otra parte, porque en determinados festivales de cine te sueles encontrar una fauna muy peculiar, que va desde el frikismo total hasta la más absoluta de las bacanales. Depende del interés que uno tenga por el cine, la gastronomía o la cerveza, terminará pasando más horas en el restaurante, en el bar de encuentro o en la sala de proyecciones. Los hay que incluso apenas duermen para asistir de forma continuada a cualquier tipo de evento, los hay que comen en las salas de proyecciones, que se dejan un cartelito de "reservardo" en la butaca cuando van al baño, y se dice que también los hay que visionan cortometrajes en su DVD portátil en el bar mientras se emborrachan a gin tonics a altas horas de la madrugada. De forma, que cuando vas a un festival de cine (si vas sólo normalmente), siempre sueles decirte: a ver qué me encuentro, mientras cruzas los dedos por coincidir con gente a la que le guste beber gin tonics sin ver cortos, echarse una siesta entre proyección y proyección o hacer algo de turismo por la ciudad mientras proyectan ese peliculón austro-húngaro tan, tan, tan, imprescindible. Pero no era este el motivo de la entrada....

El Festival de Cine de Huesca tiene algo especial. Quizá sea la esencia del propio festival, o quizá sea algo en lo que muchos festivales de cine no reparan: el cuidado y la seriedad con la que se trata al cortometraje. En Huesca, el cortometraje es una obra de cine, que adquiera la misma entidad que pudiera tener cualquier película, y por tanto, sus directores no son cortometrajistas, sino directores de cine, o a lo mucho, aprendices de directores. Por unos días, se obvia la palabra cortometrajista que tanto se usa en la gran mayoría de festivales. De hecho, en varias de las charlas a las que asistí, los ponentes siempre se refirieron al cortometraje como “películas”, mostrándose bastante reacios a utilizar el término “cortometrajes”. Félix Piñuela, director del programa de televisión Versión española insistió sobre la importancia de otorgar el estatus que merece al cortometraje, no simplificándolo a una simple escuela de aprendizaje. En otra de las conferencias programadas en el Festival, el director argentino Eliseo Subiela remarcó algo muy parecido, destacando el cortometraje como formato que no siempre implica un proyecto de querer hacer cine en formato largometraje, sino más bien una forma de contar una historia corta, trabajando las reglas que esto conlleva, y experimentando a través de su poca duración. Esa delicadeza, de tratar al cortometraje como una obra cinematográfica en sí misma, y no como un "camino para", termina por filtrarse no sólo en la charlas y conferencias programadas, sino en cada acto programado a lo largo del Festival.

Sin embargo, por lo general, uno se puede encontrar muchos festivales de cine, donde su cortometraje es una mera excusa para rellenar toda la programación veraniega de un ayuntamiento o para que acuda más clientela a un negocio particular. Y no digo que exista mala intención en esto. Todo lo contrario. Todo lo que sea trabajar en favor del cortometraje y el cine suele ser productivo. Pero sí, que esa frase tan habitual de tantos directores que aseguran que “lo importante es que el corto se vea”, acompañada de la típica frase que siempre termina soltando el concejal de turno del tipo “si en el fondo os hacemos un favor proyectando vuestro corto”, no siempre es del todo cierta, o al menos, encierra ciertas trampas en su contexto. Que se vea sí, pero ¿a qué precio? En muchas ocasiones, esa falta de cuidado es sencillamente falta de presupuesto para desarrollar un festival de cine, o desconocimiento de la labor que implica organizar un evento así. Pero en otras ocasiones, los problemas no suelen venir por esa vía. No creo que proyectar un corto, fuera de formato, con un proyector mal calibrado, en una sábana colgada del techo, o con dos altavoces extraídos del ordenador del alcalde de turno, sea hacerle un favor a nadie. Ni al director, ni al equipo de trabajo que ha rodado el cortometraje, ni a los pobres vecinos que padecen de vista y oído y terminan por no enterarse de qué iba el corto. Más bien, ese favor, se convierte en un particular calvario donde lo mejor es encogerse en la butaca, intentar no comerse las uñas hasta hacer de los dedos picadillo y esperar a que la proyección pase cuanto antes. Qué bochorno. Cualquier persona que haya dirigido algún corto sabe lo que es asistir a una mala proyección, sabe lo que es visionar su corto fuera de formato, mal enfocado, con un sonido estridente, totalmente quemado de brillo o tan oscuro como para preferir que el público hubiera visto un screener del mismo. Por ahí dicen que incluso hay algunos que después de la peor proyección de sus vidas han tenido que soportar el típico comentario de "no seas tan purista hombre, la mayoría del público no lo ha notado. No se dan cuenta de esas cosas en las que vosotros os fijáis tanto". No, claro. Seguro que no. Pero tampoco era este el motivo de esta entrada....

Pues bien, antes de que esta entrada se desvirtúe por completo, volveré al inicio de todo esto, y al verdadero motivo de esta entrada que es el Festival de Cine de Huesca y la gran calidad del mismo. Un Festival, con mayúsculas, donde al cortometraje se le trata como a una película, donde se valora el trabajo que hay detrás de cada obra presentada, donde se conoce mucha gente interesante, y sobre todo, donde se cuidan al máximo las proyecciones, las presentaciones de los cortometrajes, las programaciones, a los directores de los cortometrajes y sobre todo, las actividades paralelas, para que el Festival no termine siendo una actividad descafeinada que consista tan sólo en ver decenas de películas en una semana. Quizás algunas de estas razones, sean las que han convertido a este Festival de cine, en uno de los más importantes y longevos del panorama nacional y en uno de los mejor valorados internacionalmente por los cortometrajistas. Quizá sea el excelente trato que desde la organización se da en todo momento. Quizá sea el cuidado que ponen en todo lo que hacen los que trabajan en el Festival o quizá el empeño de un grupo de ilusionados por el cine, que en este caso, sí nos hacen un gran favor a los que rodamos cortos y no nos lo recuerdan constantemente. Porque proyectar tu corto en el Teatro Olimpia, es un verdadero favor. Y si encima se ve bien, mejor que mejor.

Casi siempre, la mejor parte de un festival termina siendo su gente, las personas que lo integran y los que allí se dan cita para presentar sus obras. Y la experiencia del paso de La Granja por Huesca, ha sido más que satisfactoria en todos los sentidos: hemos estrenado la copia en 35mm, nos han dado el primer premio recibido por el cortometraje (Mención Especial del Jurado de la Crítica), hemos conocido gente estupenda y he descubierto cómo se dice perejil en brasileño (todavía no sé cómo se esribe). No se puede pedir mucho más. Desde aquí, mi enhorabuena a todos los que organizan este excelente festival de cine y mi agradecimiento al Jurado de la Crítica por este reconocimiento que rompe con la mala estadística de que en 39 años de historia del festival, ningún cortometraje aragonés de ficción apareciera en el palmarés oficial del Certamen Iberoamericano. Y eso que para nosotros, estar en Huesca ya era un premio...

Man on Wire: piel de documental, cuerpo de ficción.

2011-05-27T09:44:00.009+02:00

Llego algo tarde a ver Man on Wire (James Marsh, 2008), pero no me arrepiento. Mucha gente me había hablado maravillas del documental y tenía que encontrar el momento adecuado para verlo. Cualquier adjetivo se va a quedar corto, pero de entre todos los que me insistieron para que viera el documental, me quedo con alguien que me dijo “es que no parece un documental”. Precisamente en eso quiero reparar aquí. Porque Man on Wire es un documental con una perfecta estructura de película de ficción. Y entre todas sus virtudes (que son muchas) esa ayuda e influye de forma determinante, para que el espectador esté intrigado durante su transcurso y se quede con la boca abierta cuando llega el final de la película.

Los mimbres narrativos que sostienen la historia del funambulista Phillipe Petit, son propios del paradigma clásico en tres actos al que habitualmente estamos acostumbrados en la ficción, y que no suele ser tan habitual en documentales. Menos aún, en documentales que se nutren de entrevistas. Sin embargo, este documental tiene abundantes partes recreadas, mucho material videográfico de lo que sucedió, y las clásicas entrevistas de los protagonistas explicando lo que pasó. Por resumir su argumento, para quienes no la hayan visto, Man on Wire narra cómo el excéntrico francés logró cruzar con un alambre entre las cúpulas de las dos torres del World Trade Center de Nueva York en 1974. ¡A 450 metros de altura! Casi ná, que dirían algunos. Pues bien, la historia, está tan bien delimitada, que tenemos un primer acto que sirve de planteamiento y presentación del personaje (con breves pasajes de infancia incluidos), un segundo acto cargado de enormes problemas, y un tercer acto que resuelve una situación que parecía prácticamente imposible al comienzo de la película. Por supuesto, el espectador goza de la ventaja de que ya conoce cómo va a terminar la historia, porque su protagonista es precisamente quien la cuenta. Atendamos por partes, a su estructura y sus personajes, para desmenuzar un poco este brillante documental.

La estructura está centrada en entrevistas que recuerdan lo que sucedió a modo de flashbacks. Es decir, los protagonistas de la gesta, nos ofrecen sus testimonios para que sepamos cómo se fraguó esta aventura- Entre ellos, el propio Phillipe Petit, nuestro personaje protagonista, quien recuerda con máximo detalle, cada uno de los días que pasó hasta que logró el éxito cruzando las dos torres. El planteamiento es sencillo, y está contando son solvencia. Un pasaje de la infancia nos muestra a un Phillipe en Francia, su país natal, robando un recorte de una revista en la consulta del dentista. El recorte pertenece a la noticia del inicio de la construcción de las dos torres del World Trade Center, y entre otras cosas sirve también para lanzar la temática de la película (otro de los puntos fuertes del documental), en la cual no quiero entrar, por su más que evidente simbología tras el 11-S. Y es el propio Phillipe quien se encarga de explicarnos como los objetivos suelen tener forma concreta. En palabras del mismo Phillipe escuchamos “el mío todavía estaba por construir, ¿entiendes?, era un objetivo sin forma, un objetivo abstracto”. ¡Bingo! Primer gran acierto de este documental, qu

e nos muestra al personaje planteando su super – objetivo nada más comenzar la película. Es tan grande su objetivo que no podemos llamarlo simplemente así y que entra dentro de la categoría de super – objetivos. Phillipe, no sólo tiene que entrenarse duramente para ello, sino esperar a que se construya el lugar donde realizarlo. Como si Frodo tuviera que esperar a que se construyese La Torre Oscura para destruir el anillo o Luke Skywalker a que se terminara la Estrella de la Muerte para destruirla. Por si fuera poco, el objetivo queda planteado cuando Phillipe era todavía un niño, así que tendrán pasar unas tres décadas hasta que logre materializarlo. El posicionamiento del espectador es contradictorio, porque pese a saber que el super – objetivo se culmina con éxito, ya está más que intrigado en saber cómo lo ha conseguido. Pero lo importante, es que sabemos pronto, y sabemos con claridad, qué es lo que más desea en el mundo el personaje: cruzar los cielos del World Trade Center. Y es necesario que entendamos la intensidad de su deseo, y la motivación del mismo, para comprender todo lo que es capaz de hacer el personaje por conseguirlo.

Pasamos al nudo, el segundo acto. Donde normalmente, como bien saben los guionistas, suelen naufragar las malas historias. Pues bien, lejos de aburrir, o de no tener suficientes detalles que contar, la historia casi se hace corta. Porque en este acto, asistimos a la superación de los pequeños objetivos, necesarios para alcanzar el gran super – objetivo. Phillipe se enfrenta a numerosos obstáculos y complicaciones, como para que el espectador incluso dude de si realmente logró su gesta, o está ante un falso documental. Si bien, no hay un antagonista concreto, tampoco se requiere. Sin embargo, a lo largo del nudo, vemos como Phillipe tiene que planear el asalto a las dos torres, como si de un ladrón se tratara. Con un montón de viajes a Nueva York, Phillipe diseña cientos de planos para colocar su alambre, saca cientos de fotos de las azoteas, analiza cualquier detalle que pueda entorpecer su super –objetivo, e idea varios mecanismos para colocar el alambre entre las dos azoteas de las torres hasta que da con el correcto. En varios momentos vemos al propio Phillipe creyendo que es imposible lograr su sueño. Una amiga, en un momento determinado explica “los días previos, Phillipe no hacía más que ver películas de ladrones y policías, como si eso le prepara para el gran día”. Efectivamente, pronto comprendemos, que debajo de ese sueño imposible, es necesaria una trama en la que se nos tiene que contar la planificación del golpe. Por lo tanto, estamos más cerca de una película al estilo Misión imposible, que ante el típico documental. Por eso muchos tacharon en su momento a este suceso como “el crimen artístico del siglo”. Los obstáculos son también innumerables. Incluso llega un punto que Phillipe se agujerea un pie con un clavo, y le vemos caminando en muletas. Lejos de que esto sirva para alejarle de su super-objetivo, el propio Phillipe explica cómo aprovechó la ocasión de estar inválido, para recabar información en el World Trade Center sin que nadie le pidiera explicaciones. De nuevo, el super-objetivo motiva cada una de las acciones del personaje principal.

Junto a esta planificación, adquiere mucha importancia el entrenamiento de Phillipe en Francia y la búsqueda de cómplices. Y ahí, es donde el documental se acerca a estructura de de cintas como Rocky o Karate Kid. En varias ocasiones vemos, con imágenes grabadas por sus amigos, cómo Phillipe coloca el alambre entre dos árboles a la misma distancia que lo colocará entre las dos torres, no sólo para entrenar duramente, sino también para convencer a los descreídos que no confían en su gesta. Y además, se nos explica, como antes de llegar a este super – objetivo, Phillipe tuvo que ganar otras batallas, como cruzar las torres de Notre Dame, o pasear por encima del puente del Puerto de Sidney. Por último, para que este segundo acto no se haga nada aburrido, escuchamos los testimonios de sus cómplices, y vemos cómo algunos le abandonaron, cómo otros les siguieron hasta el último momento, y cómo otros todavía seguían incrédulos incluso en las propias entrevistas. Todos ellos, sin embargo, sabían que habían hecho historia. De todos, me quedo en particular, con el de la chica que compartía, además del sueño del protagonista, una relación amorosa con él. ¿Y qué se necesita en toda buena historia para que la conexión ya sea total con el espectador? Al menos, una subtrama de amor. Lejos de parecer una casualidad, creo que cumple su función en todo este engranaje. Sabemos que el segundo acto llega a su fin, cuando vemos cómo en su primer intento de conseguir su super – objetivo, Phillipe sufre un revés tremendo, tiene que abandonar su plan y vuelve a Francia desolado. El propio Phillipe y sus amigos, nos explican que el golpe fue muy duro para Phillipe. Perfecto. Tenemos al personaje principal en el abismo, y necesitamos que se rehaga por completo para alcanzar su super-objetivo.

Y así llegamos al tercer acto. El momento en el que se aproxima el clímax. El lugar exacto, donde todo tiene que cobrar sentido, donde la tensión tiene que ser máxima. Y se nos cuenta con una intensidad tal, que es difícil no quedarse con la boca abierta. Tras burlar a la seguridad del World Trade Center, Phillipe y sus cómplices pasan la noche en la cima de las torres, colocando todo para que Phillipe pueda desafiar a la gravedad caminando sobre un alambre en el cielo de Nueva York. Llega la mañana, y tras burlar por última vez al último guardia de seguridad, Phillipe se lanza al alambre. El miedo se apodera de todos sus amigos, porque saben todo está en juego. La concentración de Phillipe es máxima…hasta que de repente, los testimonios nos explican que Phillipe sonrío desde mitad del alambre. Y se nos muestra esa sonrisa a través de una foto. ¡Super –objetivo alcanzado! La policía mira perpleja al funambulista, y los amigos se emocionan al contar ese momento. El propio Phillipe explica con detalle que había logrado el sueño por el que luchó durante toda su vida, y que quien persiste lo consigue. El sueño americano se ve realizado, y la constancia ha obtenido su recompensa. El espectador se emociona y siente alivio, a la vez que disfruta de una imagen tan poética como singular: un hombre cruzando entre dos de los edificios más grandes del mundo. Y por último, tras ese gran momento, un desenlace muy emotivo, en el que se nos explica cómo a partir de ahí Phillipe cambió, como la fama llegó a él y algo cambió en él también. Phillipe logra su objetivo, pero algo se rompe dentro del personaje, y eso es más que necesario para que no todo sea felicidad máxima al final de la gesta. El personaje pierde su relación en la subtrama de amor, y también algún que otro amigo/cómplice importante en la subtrama de amistad que se había desarrollado durante la película. Una subtrama de amistad, turbulenta y complicada, sugerida a través de los testimonios de un amigo, que entre sollozos reconoce que algo cambió después de lograr el éxito.

Fundido a negro, entran los créditos con la música de Michael Nyman (fantástica por cierto), y por un momento, todo se detiene. Finaliza esta extraordinaria y poética historia, dejando en el espectador la sensación que en el fondo lo que ha visto es una película de ficción, con la piel de un documental. Viendo el trailer y sin saber nada sobre la película, pocos pensarían que se trata de un documental. - Gracias por llegar hasta el final -

Ayudas a la producción audiovisual de la DGA 2011

2011-05-26T14:29:00.011+02:00

Ya está disponible la resolución de las ayudas a la producción audiovisual del Gobierno de Aragón del año 2011. Este año no pienso indignarme (bastantes indignados hay ya por causas más importantes), pero sí hacer un recordatorio del mal estado de salud que tiene nuestra Comunidad Autónoma en la producción de cortometrajes. En su momento ya intente realizar un breve análisis sobre la situación de las ayudas a los cortometrajes en Aragón, con entradas dedicadas a la claridad y coherencia de las concesiones, a las comisiones, criterios y desarrollo del audiovisual y cómo la crisis terminó por afectar a estas ayudas. Pocos manifestaron su descontento al respecto cuando hubo recortes, casi nadie protestó las decisiones y todo pasó de forma bastante desapercibida como si la situación no fuera con nosotros.

Pero por aportar algunas cifras objetivas, quiero recordar que este año el Gobierno de Aragón apoya a tan sólo 7 cortometrajes (5 de ficción y 2 documentales) a los 24 que recibieron subvención el año pasado. Este año se han quedado sin trozo del pastel 39 proyectos frente a los 69 que se quedaron fuera el año pasado. De lo cual, me gustaría extraer una última conclusión: en el año 2010 se presentaron 93 proyectos, mientras que este año la cifra ha disminuido hasta 46 proyectos. ¿Falta de iniciativa? ¿Descontento generalizado por los realizadores aragoneses? ¿La crisis también afecta a la creatividad? Sea lo que sea, parece que hay mucha gente que ha perdido la fe en sacar adelante un proyecto, o sencillamente, que ha preferido hacerlo al margen de cualquier subvención.

Además, podrán comprobar, que como siempre se siguen mezclando documentales y ficción en el mismo saco, se quedan fuera varios realizadores conocidos por nuestra tierra, y también jóvenes realizadores a los que una vez más se les niega una primera oportunidad de realizar un cortometraje con algo de apoyo económico. Y por si fuera poco ya está circulando por ahí el DVD colectivo de los "mejores" cortometrajes aragoneses del 2010 (los seleccionados en la SCIFE 2010) que el Gobierno de Aragón se encarga de ¿difundir? para que se vean estos trabajos. No me tiren de la lengua con este tema...Desde aquí, mi enhorabuena a los que han conseguido un trozo de la raquítica tarta de este año, y mis ánimos para los que se han quedado sin probarla. Si nos descuidamos, en uno o dos años, nos quedamos sin tarta de cumpleaños.

Trailer La Granja

2011-05-24T11:57:00.002+02:00

Ya tenemos el trailer oficial de La Granja en 720p, cortesía de nuestro compañero Victor Jabato.

Trailer. LA GRANJA. from Ignacio Lasierra on Vimeo.

The Tree of life

2011-05-23T16:32:00.002+02:00

Por si alguien todavía no lo ha visto, el sugerente trailer de la película de Terrence Malick, ganadora de la Palma de Oro en Cannes.

Sobre el punto de vista y "No tengas miedo"

2011-05-18T18:38:00.012+02:00

¿Qué es el punto de vista? ¿Cómo se logra mantener la coherencia del mismo a lo largo de una película? ¿Está bien saltarse el punto de vista elegido a lo largo de una película? ¿Por qué un punto de vista y no otro?

Estos son sólo algunos de los interrogantes que cualquier guionista/director se cuestiona cuando escribe/dirige su película Las discusiones sobre el punto de vista suelen ser eternas y en muchas ocasiones acaban por resultar aburridas y tediosas. Sin embargo, nadie niega que el punto de vista y su tratamiento suele ser esencial para cualquier película. El espectador, de forma inconsciente, suele recibir mucho mejor el mensaje cuando el punto de vista elegido por el emisor suele ser claro. Y en esa elección del director, no sólo reside todo el poder que este posee para transmitir un mensaje determinado, sino que también suele determinar cualquier aspecto técnico y estético de la película.

Si hay algo que sobresalga por encima de todo en la última película de Montxo Armendáriz, es la coherencia y solidez que ofrece el punto de vista elegido por su director. No tengas miedo es una excelente lección de cómo mantener el punto de vista desde el inicio hasta el final de la película. Por supuesto, esto no es una novedad ni el paradigma de la originalidad, pero sí que es algo que cuesta mucho mantener, sobre todo porque lo sencillo suele ser saltárselo a la primera de cambio. Hace poco, hubo otro claro ejemplo en cines con el Cisne negro de Arofnosky. Recuerdo que después de verla, intenté explicarle a mis alumnos la dificultad que conlleva sostener una película con el punto de vista que Arofnosky elige para Cisne negro, más allá del tratamiento visual que tiene la película. Sin que tengan nada que ver en su trama, ni tampoco en su fondo, Montxo Armendáriz trabaja su película y su punto de vista de forma muy similar a cómo lo hace Arofnosky en la suya. Sometiéndonos en todo momento a lo que la protagonista de la película vive. Es por eso que la cámara no se aleja ni un solo momento de la altura de los ojos de Silvia (Michelle Jenner). Por eso, encontramos también en multitud de planos ópticas medias, para no posicionarnos ni más cerca, ni más lejos del personaje principal de la película. Y la cámara siempre respira según los nervios de la protagonista. Y casi siempre lo hace en silencio, como la protagonista. De forma invisible. Nada forzada. Y se mueve, según las motivaciones que ella tiene (atención al plano entre la protagonista y la cámara cuando Silvia adulta sigue a su padre por la calle y cómo termina ese plano). La cámara siempre nos revela lo que los ojos de Silvia ven y sienten sin olvidar mostrarnos su rostro. Y de esta forma, obligado a prescindir de muchos momentos en lo que lo fácil sería mostrarnos algo más que el entorno que rodea a Silvia, Montxo Armendáriz construye a través de dos de los recursos más cinematográficos que hay: la elipsis y el fuera de campo. Y se olvida de voces en off, y de recursos estilísticos baratos, para realizar saltos bruscos en el tiempo y para no mostrar partes muy relevantes (como el divorcio de los padres) en sencillas elipsis. Porque un punto de vista tan férreo como el que sostiene Armendáriz, obliga a su director a prescindir de todo aquello que está fuera del alcance de los ojos de su protagonista, de los ojos de una niña (cuando Silvia tiene menos de 10 años), y de todo aquello que está más allá de la depresión y el trauma que Silvia sufre en su adolescencia. Un personaje con la mirada agachada y que da la espalda a la cámara en multitud de ocasiones es un personaje que no puede contemplar mucho de lo que le rodea. Y ahí entran los grandes desenfoques y los planos nocturnos con Silvia aplastada sobre la imagen. De esta forma, el encuadre del primer y el último plano de la película cobran sentido. Con ópticas muy parecidas, y un encuadre similar. Cuando Silvia todavía era una niña inocente, y cuando Silvia logra su objetivo. En ambos, con Silvia andando hacia la cámara, y con esta siguiéndole al hombro en su recorrido. Siempre al hombro, y siempre de frente a ella.

Pero…(ojo spoiler), ¿qué pasa cuando aparecen los testimonios del resto de personajes en los que Silvia no aparece? ¿Significa esto que el punto de vista se ha saltado? Ni mucho menos. Tan sólo que en esas partes, es el director quien decide hacer breves paréntesis en la historia que sufre Silvia. No sé si se habrán fijado, pero en todas las entrevistas los personajes tienen algún elemento desenfocado de por medio que no permite ver la totalidad de su rostro con normalidad. Como si de esa forma, fuera más complicado hablar hacia el psicólogo/espectador.

Con esta sobriedad y con la elección del plano secuencia como norma, Montxo Armendáriz obliga a que sea el espectador quien deba decodificar qué le pasa a Silvia y cómo está viviendo esa situación. Algo que desemboca con fuerza hacia el final de la película cuando el personaje comienza a verbalizarlo hacia sus seres queridos. - A partir de aquí si no se ha visto la película mejor no seguir leyendo esta parte- Esto nos lleva a hablar del objetivo que persigue la protagonista (que lo persigue durante todo el film), otra de las insistencias más fervientes hacia mis alumnos, y que entronca directamente con el punto de vista elegido. Durante toda la película, el objetivo está muy bien oculto, pero siempre presente para el espectador desde que (ojo spoiler) el padre de Silvia abusa de ella por primera vez cuando es niña. Desde ese momento el personaje ansía entender por qué su padre ha abusado de ella durante toda su vida. Este, podríamos decir, que se trata del objetivo interno de la protagonista. Lo que la mueve en cada una de sus acciones. Curiosamente, el objetivo externo (que aunque mínimo también lo hay) se convierte en “verbalizar lo que me ha pasado”, para lo cual Silvia tendrá que superar una serie de dificultades concretas que poco a poco irá solucionando hacia el final de la película. Esas dificultades se traducen en "querer llevar una vida como el resto" para lo que Silvia tendrá que luchar por logar una relación sentimental estable, una relación de amistad sana, y donde además tendrá que lidiar con su adicción a las máquinas y con su incrédula madre a la que pretende convencer. Además, desde casi la mitad de la película, Silvia tendrá que luchar contra sí misma para entender por qué quiere tanto a quien le ha hecho tanto daño. Lo que externamente se traducirá en querer alejarse de su padre. Todo esto, se resume en que Silvia lo que quiere es verbalizar su trauma. Porque verbalizánzolo lo superará. Y porque ese es el primer paso para poder superar todos sus miedos (título de la película). Y es aquí, donde cobran sentido el resto de declaraciones a modo de falso documental, con las que Montxo Armendáriz trufa su película. Cobran sentido porque es importante ver cómo otros ya han logrado su objetivo verbalizando su trauma. Para que así, sea el espectador quien entienda que lo que persigue Silvia es verbalizar su trauma para salir de su particular infierno.

Puede que el punto de vista no lo sea todo en esta película, pero sin duda ayuda (y mucho), a que la coherencia en la historia, así como la sutilidad con la que está contada sean de una exquisitez máxima. Y si el objetivo del personaje está claro, mejor que mejor, sobre todo, tratándose de una película tan poco canónica. De esta forma, el mensaje llega con claridad al espectador. Y según el punto de vista que Armendáriz imprime a su película, somos nosotros quienes debemos sacar nuestras propias conclusiones respecto a los personajes.

Sobra decir que si a esto le añadimos las excelentes actuaciones de Lluis Homar y Michelle Jenner, la lúcida fotografía de Alex Catalán y una partitura que encaja a la perfección, la película es más que recomendable. Montxo Armendáriz se consolida, una vez más, como uno de los directores más coherentes de nuestra cinematografía. Larga vida a su cine. Ya me contarán su "punto de vista" al respecto.

Rompecabezas

2011-05-12T18:37:00.000+02:00

La crítica de Rompecabezas (Natalia Smirnoff, 2009), en la web de Cine para leer.

La Granja. Primeras citas.

2011-05-05T16:14:00.003+02:00

Pasado el proceso de creación, comenzamos ahora el proceso de distribución. Amigos y amantes del suspense, nuestro cortometraje comienza a circular por el circuito de festivales. A partir de ahora, si la ocasión lo requiere y la suerte nos acompaña un poco, informaré aquí de las proyecciones que surjan del cortometraje, así como de los festivales de cine donde se proyecte. ¡Espero que nos podamos ver en alguno de ellos! De momento, han llegado ya tres selecciones. El cortometraje se proyectará durante el mes de mayo en:

- XIV JORNADAS DE CINE VILLA DE LA ALMUNIA Martes 10 de mayo. 21:30. Salón blanco de La Almunia.

- IV FESTIVAL DE CINE CORTO EN VIDEO DE SALAMANCA. Jueves 19 de mayo. 22:30. Bar Granero de Salamanca.

Además también es finalista en la Selección oficial del Concurso de Cortometrajes Iberoamericanos del 39ª FESTIVAL DE CINE DE HUESCA entre los casi 2000 trabajos inscritos en el festival. Podéis consultar los seleccionados aquí. En junio, ya informaremos del día en el que se proyectará el corto, que además supondrá su primera proyección en 35 mm.

Como decía alguien que ahora no recuerdo...que la fuerza nos acompañe.

Fotogramas muy valiosos.

2011-05-02T10:49:00.003+02:00

La ventajas de ver con ojos de adulto películas que adorabas en tu infancia es que te permiten disfrutarlas de otra forma y recordar las mismas sensaciones (o parecidas) que atravesabas cuando las visionabas de pequeño. La mayor desventaja es que uno siempre acaba relativizando su pasión por esas películas para comprender que en su conjunto quizá no son “tan tan tan buenas” como a uno le parecen de pequeño, sino que más bien se acercan a películas “normalillas” o incluso “muy malas” para la mayoría de la gente. No hablo aquí de Regreso al futuro, Tiburón o La guerra de las galaxias, obras reconocidas por las que es sencillo sentir devoción. Hablo de esas joyas que revisadas años después no pierden su encanto para quien se enamoró de ellas en la infancia, pero que a la vista de la gran mayoría pasarían como “las más feas del lugar”. Películas que uno vio en el cine de pequeño, y que influenciado por la magnitud de la pantalla (siempre parece mayor cuando eres un niño) , por la oscuridad de la sala o por el sonido envolvemente han quedado registradas para siempre en nuestra memoria. En este saco emocional de películas muy malas a las que profeso una extraña devoción entran para mí Hook. El capitán garfio (1991), Ángeles (Angels in the Outfield, 1994), Besos de vampiro (Vampire´s kiss, 1989) o Una pandilla de pillos (The little Rascals, 1994) por poner algunos de los ejemplos a los que más cariño les tengo.

Son algunas de las muchas películas (buenas) que vi en la infancia sentando en la última fila de las viejas butacas del cine en el que me crié. En la actualidad, si en algún momento las pillo por televisión, reconozco que sigo observándolas con cierta admiración. Sobre todo, intentando recordar cómo en su momento me impactaron tanto por tal o cual razón. Rememoro las imágenes que se me quedaron grabadas para el resto de mis días y las disfruto desde la perspectiva que te ofrece la madurez que no tienes cuando eres niño. Y aún así, todavía me río a carcajadas cuando Hook se queda sin su peluca, todavía me estremezco cuando veo a Nicolas Cage buscando una cucaracha por su cocina para desayunar y se me ponen los pelos de punta cuando toda la pista entera de Los Ángeles comienza a agitar los brazos para que su equipo gane. Son esos momentos de la infancia que vuelven cuando menos te lo esperas. Son esas películas “buenas/malas” que si las emiten en la tele las ves una y otra vez, como si de esa forma rescataras por un instante al pequeño que todos llevamos dentro. Todo el mundo tiene una o dos películas de este tipo, y no todos confiesan su devoción por ellas. Para que negarlo. Mucho antes de Bergman, Godard o Wong Kar Wai se cuelan en nuestras vidas esos momentos que valen tanto o más como los que el cine nos ofrece en nuestra madurez. Son instantes imborrables. Con el tiempo uno también se da cuenta, que de alguna forma ha estado tan influenciado por esos fotogramas que de forma inconsciente ha rodado algunos muy parecidos. ¿Rescata uno los recuerdos de su infancia cuando rueda? Quién sabe...Sólo sé que son fotogramas muy valiosos según los ojos que miren.

¿Alguna obra más a rescatar?

607 metros

2011-04-28T13:41:00.007+02:00

Primero. Estiramiento muscular.

Pon tus mejores ideas sobre la mesa. Decide cuál de ellas estás dispuesto a desarrollar. Imagínala con todas tus fuerzas. Elimina las otras nueve. Quédate sólo con una y nunca la pierdas de vista. Será tu guía. Imagina una bobina donde plasmar tu idea. Imagínala con fuerza como para poder entrenar con energía durante mucho tiempo. Agárrate y coge impulso… mucho impulso…impulso como para dar un salto digno de competición. Empieza por escribir y reescribe hasta que tengas un guión por el que merezca la pena entrenar. Cuando hayas reescrito, corrige de nuevo, déjasela a otros atletas que corran mejor y más deprisa que tú para que te ayuden a mejorar tu musculatura. Acepta que apenas sabes trotar. Vas a necesitar ayuda. Mucha ayuda. Necesitas entrenamiento antes de la carrera. Mucho entrenamiento. Búscate un entrenador. O dos. O tres. O los que necesites para poder entrenar todos los días.

Segundo. Entrenamiento suave.

Empieza a trotar, sin prisa pero sin calma. Cada día un poco. Todos los días sin excepción. No busques excusas para no entrenar. Apaga el televisor. Y el ordenador. Deja de observar a tus atletas favoritos. No los analices más. Es suficiente. Estira tus músculos y comienza a correr suave. Ahora concéntrate en tus músculos. Tendrás que conocer hasta la última célula de ellos para ponerte de acuerdo para que todos corran en la dirección que tú quieres. Mientras empiezas a trotar, a elaborar tus dossiers, a buscar financiación, a formar un equipo con el poder competir, prepárate lo mejor que puedas. La carrera va a ser fuerte y te va a exigir mucho. Inspira y expira sin cesar. Intenta expirar fuerte como para que el aire que expulsas saque algo de lo más profundo que llevas en ti. Recuerda de vez en cuando a tus atletas favoritos. No intentes correr como ellos, porque ellos son más veloces que tú. Llevan más años compitiendo que tú y son mejores deportistas que tú. No quieras hacer lo que ellos hacen. Busca tu estilo de trote. Uno con el que tú te sientas a gusto. Encuéntralo y no lo dejes. Trota suave. No pierdas el ritmo, y concéntrate al máximo porque vas a tener que trotar mucho. Y el trote, siempre es la base de una carrera fuerte.

Tercero. Entrenamiento fuerte.

Está bien. Puedes trotar con facilidad y además apenas te supone esfuerzo. No es suficiente. Ahora analiza cuáles son tus puntos fuertes y escudriña tus puntos flacos. Recuerda todas las horas de trote y de marcha que llevas encima. Estás preparado. Es hora de correr horas y horas sin parar. Sal a la calle. De día y de noche. Con y sin tus entrenadores. Piensa en la carrera y en la pista de atletismo. Y ahora coge aire porque te vas a someter a la primera prueba de un entrenamiento fuerte. Coge aire hasta que no te quepa nada más en los pulmones. Ahora que los tienes llenos de aire ¡expira con fuerza!: reuniones, preguntas que hacer, preguntas que responder, cientos de planos, decenas de días por delante, papeles, más dossieres, actores, fotografía, arte, preguntas que hacer, preguntas que responder, sonido, producción, maquillaje, vestuario, localiza, localiza, localiza, cuentas, subvenciones, preguntas que hacer, preguntas que responder, ensayos, referencias, charlas, ayudas, caminos sin salida, esto aquí, esto allá, esto mejor aquí, esto mejor más allá, no, no, mejor donde al principio, músculo, músculo y más músculo. ¿Lo notas verdad? Tu cuerpo se endurece, tus músculos crecen y crecen, tu potencia aumenta poco a poco, tu cuerpo parece el de uno de esos atletas. No te engañes. Es sólo un espejismo. Da igual quién confíe en ti y el motivo por el que lo haga. Eso no debe ser presión. Ahora te toca correr de verdad. Estás a tono para correr. Ya no puedes echarte atrás. Cierras los ojos y espera paciente hasta la carrera.

Cuarto. Carrera.

Eso significa que alguien disparará al aire para darte la salida y que tú deberás correr como para logar una marca aceptable. Tendrás que correr con certeza y de forma precisa. Zancada a zancada. Virando en cada una de las curvas de la pista sin temblar. A veces a cámara lenta, muy lenta. Sudas. Sudas como un verdadero cerdo, por poca verdad que exista en esa expresión. Y mientras corres, sin saber muy bien cómo, eres capaz de olvidarte de todo. Disfrutas de la carrera. Y encuentras una burbuja en la que sólo estás tú frente a la pista de atletismo. Oyes gritos, voces, escuchas las voces de tu entrenador. Su voz resuena como un eco en tu cabeza. Nada importa. Sólo esa sensación de correr en libertad hasta llegar a la meta. No sabes si vas a llegar, y durante un buen rato lo dudas de veras. Da igual. La carrera es el momento deseado. Ese momento por el que ha merecido la pena entrenar y entrenar. Terminas la carrera y llegas hasta la meta. Te parece algo tan extraño e increíble que dudas de si has llegado realmente. Nadie te comunica tu marca. Nadie la ha registrado. Miras a tu alrededor, la gente te felicita. Tú sabes que no sirve de mucho. No sabes tu marca. Miras a tu alrededor. Tu entrenador de reojo te mira. Sabes que tiene la marca. No te la va a decir hasta el último momento. Ahora no es necesario.

Quinto. Gimnasio.

Perfecto. La carrera ha terminado ¿Y ahora qué? Ahora gimnasio. Repasa mentalmente cada uno de tus pasos en la carrera. Es hora de ordenarlos en montaje..Corrige esa zancada mal dada. Mejora esa respiración inadecuada. Conversa con tu entrenador y analiza la carrera. Tu carrera. Analízala como cuando analizabas las carreras de aquellos a quien admiras. No es suficiente, no es suficiente…Máquinas. Sala de máquinas. Más máquinas. No sabes ni cómo se manejan muchas de ellas. Da igual. Aprenderás. Otros te enseñarán. Sigue curtiendo tus músculos sin cesar. Vuelve a machacar cada uno de tus músculos para no perder tono. Y entre esas máquinas, en cada una de tus brazadas para levantar esas duras pesas, recuerda que pronto conocerás tu marca. Ya queda menos.

Sexto. Competición.

Ha llegado la hora. Tu entrenador te comunica tu marca. 607 metros. Es un récord. Sabes que nunca habías llegado hasta ahí. No es un récord nacional, ni mundial. Ni siquiera regional. No parece una gran marca. Es una marca de tan sólo tres cifras. No importa. Es tu marca, tu propia marca personal. Y por mucho que lo intentes, no puedes evitar emocionarte por un instante. Ahora, que al menos ya sabes que puedes correr, apenas te tas cuenta que tus entrenadores te mandan competir. No quieres. Estás satisfecho con tu carrera. Eso es suficiente y en fondo es lo de menos. Tu cuerpo y sobre todo tu mente ya están preparados. Adelante. Es el momento de dar a conocer la marca. De que todos vean como corres. No preocupes por cómo corren los demás. Lo importante es que tú también vas a correr.

Recuerda que después de mucho entrenamiento, cuando estés exhausto y quieras dejarlo, cuando creas que has entrenado suficiente, sólo estarás al comienzo de tu verdadera carrera. La que ahora te exige competir a ti. Y tú que vas a tener que competir durante mucho tiempo…preferirías estar entrenando.

10 razones por las que ver Scream 4.

2011-04-21T02:16:00.005+02:00

Porque la firma Wes Craven (eso ya debería ser motivo suficiente) y porque la película se la ha dedicado a su padre –créditos finales-(algo de cariño le habrá puesto ¿no?)

Porque la película se ríe de sí misma pero también es consciente del mito que supuso en su día. Las referencias aparecen por todas partes, no sólo a los clásicos del cine de terror, sino a recientes fenómenos que siguen imitando la película que revitalizó el psycho killer a partir de los noventa.

Porque uno descubre que en España los dobladores se lo pasan bomba interpretando algunos de los chistes originales de la película y adaptándolos a su versión española. Para no desvelar nada, atentos a la comparativa que Gale (Courtney Cox) hace con la policía rubia.

Porque su primera escena, tal y como sucedía en la primera entrega, va muy por delante del espectador y porque en ella descubrimos que Pícara no es invencible.

Porque el hermano pequeño de Macaulay Culkin regenta el cine club del instituto, y porque su compañero tiene un motivo (no adelanto spoiler) muy convincente para no morir.

Porque mezclar sustos y risas en un cine no suele ser tarea fácil. Las nuevas generaciones no vivieron el fenómeno de las anteriores películas, y sin embargo con esta cuarta entrega (al menos en mi sesión) no pararon de reír y de botar de su butaca.

Porque la máscara de Ghsotface sigue dando un mal rollo impresionante.

Porque así uno aprecia lo bien que le sientan los años a Neve Cambell, y lo guapa que estaba Courtney Cox en la primera entrega.

Porque gracias a los diálogos de la película descubrimos que ya no está de moda que un asesino acose a sus víctimas a través de facebook. En los tiempos que corren es más propio que lo haga a través de twitter.

Porque en definitiva, la película recupera y respeta el espíritu de la primera entrega y aunque no sorprende, sirve para pasar un buen rato en la sala de cine. Si no es suficiente, uno siempre puede ir a ver bailar a Justin Bieber...y luego no saber qué contestar cuando alguien le pregunte por teléfono con qué asesinaba Michael Myers.

Adiós al maestro. Sidney Lumet (1924-2011)

2011-04-09T18:53:00.012+02:00

“Hago películas porque me gusta. Es una manera maravillosa de pasar tu vida”

Normalmente hay una serie de directores que a uno le gustan más o le entusiasman de alguna manera. De esos hay un pequeño puñado que uno considera imprescindibles, y por cuestiones que trascienden a lo meramente racional y que casi siempre se vinculan a lo emocional, hay uno o dos que resultan sumamente especiales. Vaya por adelantado, que Sidney Lumet, era uno de esta última categoría en mi caso. De ahí que este "no obituario" no se reduzca a una simple fecha con fotografía, sino que más bien sea la manera de exorcizar este desapacible día.

Su IMPRESCINDIBLE libro “Así se hacen las películas” (el cual cualquier director debería leer varias veces a lo largo de su vida) y sus más de cuarenta películas, son una buena manera de acercarse a él para quien no esté familiarizado con el director estadounidense. Esta tarde, cuando un buen amigo me enviaba un mensaje para comunicarme la muerte del octogenario director de cine, me quedaba helado en medio de un supermercado. Petrificado. Inmóvil frente a la mirada de la cajera que exigía rapidez para que rellenara mis bolsas de la compra. Y puede que nunca antes hubiera sentido una cosa así, tratándose de alguien a quien no conoces personalmente. Imagino que es inevitable cuando piensas que el director que ha muerto ha sido una de las personas que te ha regalado algunas de las mejores horas de tu vida, y que ha conseguido en varias ocasiones, no sólo aplausos rotundos en tu sofá, sino verdaderos ataques de emoción y respeto.

La tarde de perros del 9 de abril (como algunos comentaban con agudeza en las redes sociales) ha despedido a uno de los últimos bastiones del buen cine. Del cine que se escribe con mayúsculas y que está al alcance de muy pocos. Esta tarde se ha marchado uno de los últimos exponentes de la Generación de la Televisión (Lumet realizó más de 20 trabajos televisivos además de todas sus películas), y uno de los últimos directores “casi clásicos” que seguía en activo (siempre resulta controvertido utilizar la palabra "clásico"). Hoy se va uno de los directores con una ópera prima, que a la postre, se ha convertido en un clásico imprescindible. Pocos directores han demostrado tanto oficio y tanta visión cinematográfica, como la que Lumet desplegó en su primera película 12 hombres sin piedad (Twelve angry men, 1957). Durante 86 minutos, y con texto de Reginald Rose, Lumet filmaba con maestría a esos doce hombres encerrados en la sala de jurado, intentando otorgar un veredicto. Henry Fonda con su impecable traje blanco, un ventilador estropeado, cuatro paredes de un plató a medida y una cámara oportuna, vivaz y precisa en cada uno de sus planos, le bastaron al joven Lumet para rodar esta obra maestra con un presupuesto mínimo y sembrar la tan presente duda razonable en el espectador. El resto, forma parte del mejor cine judicial de todos los tiempos, y un legado único e irrepetible que perdurará a través del tiempo.Con Lumet, muere también, uno de los cineastas más comprometidos del cine estadonidense (pese a que él mismo lo negara en varias ocasiones). Al igual que John Ford, Lumet nunca dijo que entendiera el cine en términos de arte. Más bien, entendió el cine como un oficio. Negó siempre que la figura del director fuera más relevante que el resto de un equipo de rodaje,y puso en duda la teoría del cine de autor en varias entrevistas. Películas como Supergolpe en Manhattan (The Anderno Tapes, 1971), El príncipe de la ciudad (Prince of the City, 1981), o A la mañana siguiente (The morning Alter, 1986), son obras de minuciosa orfebrería, a veces consideradas películas menores, pero que sin lugar a duda, podrían servir como clases magistrales en cualquier universidad del mundo de cómo dirigir una película.

No todo fueron luces para el director de Filadelfia. Lumet nunca ganó un Oscar de la Academia (como tantos grandes directores), y tuvo que esperar al año 2005 para que se le concediese de forma honorífica. Sí que estuvo a punto de ganarlo en varias ocasiones. Cuatro de sus nominaciones fueron por cuatro de sus mejores películas. Junto a su primera nominación con su debut, recibió otras tres por Tarde de Perros (Dog Day Afternoon, 1975), Network (1976), y Veredicto Final (The Verdict, 1982, de la que hace poco hablé en el blog). Además, gracias a Lumet, disfrutamos de una de las mejores interpretaciones de Marlon Brando en Piel de serpiente (The fugitive kind, 1959), de una de las mejores Katharine Hepburn en Larga jornada hacia la noche (Long Day´s Journey Into Night, 1962) y de un Al Pacino irrepetible poniéndose en la piel del mito Serpico (1973). Son muchos los actores que han recibido una nominación al oscar de la mano de Lumet, y muchos los espectadores que se han emocionado con alguna de sus películas.

Y quizá, gran parte del mérito del maestro Lumet, es que su obra no es ni mucho menos perfecta. Entre sus películas, se encuentran grandes fracasos de taquilla, grandes batacazos para la crítica, y películas insoportables como los remakes de El mago (The Wiz) o Gloria (1999), por poner dos de los múltiples ejemplos que podríamos sacar a relucir. Sin embargo, antes de morir, Lumet quiso ofrecer sus últimos apuntes como gran director en la memorable Antes que el diablo sepa que has muerto (Before the Devil knows you´re Dead, 2007) y en la imprescindible Declaradme culpable (Find Me Guilty, 2006), donde sacando lo mejor de un Vin Diesel casi irreconocible, ponía el broche perfecto a una larga trayectoria ligada al estrado judicial estadounidense. Sidney Lumet nunca descansó en su trabajo y en su empeño por hacer cine. A él le debemos gran parte del mejor cine policial, social y judicial de todos los tiempos. Con sus éxitos y sus fracasos y con un legado cinematográfico que seguir descubriendo, nos dice adiós uno de los mejores orfebres que han pulido el celuloide. Hasta siempre Lumet. Gracias por hacer que este mundo no sea tan implacable como parece.

Elisabeth Taylor (1932 - 2011)

2011-03-23T18:26:00.003+01:00

Siempre creeré que hay algo especial en su interpretación de Maggie. Quizá, una de las mejores que ha dado el medio cinematográfico.

¿Dónde está Willis?

2011-03-21T20:28:00.005+01:00

Cuatro pensamientos rápidos y un video para jugar al juego de ¿Dónde está "Willis"?

1. Los calvos, no siempre fueron calvos. Una vez, en el pasado, tuvieron pelo.

2. Veredicto final (The Verdict, Sidney Lumet, 1982) es una obra maestra, de inicio a fin. Sin paliativos y con mayúsculas.

3. Bruce Willis aparece de figurante en el mejor plano de la película.

4. Sidney Lumet ya no tiene pelo. Bruce Willis tampoco. Ambos lo tenían cuando rodaron la película. O al menos Lumet sí lo tenía. Lo de Willis, quizá sea un peluquín.

Cine para leer. Julio - Diciembre 2010.

2011-03-15T17:40:00.006+01:00

Con la Jolie encabezando este semestre, llega un nuevo tomo de Cine para leer. Ya disponible en librerías. Más información en su facebook.

Falta de espacio

2011-03-08T17:40:00.002+01:00

Siguiendo con esa lista de establecimientos con curiosa cartelería...

Así se las gastan en algunas tiendas...

2011-02-23T14:45:00.001+01:00

Alberto Sánchez. La proyección de los sueños.

2011-02-19T19:27:00.013+01:00

“Podemos vivir sin cine, pero no soñaríamos igual sin él”.

ALBERTO SÁNCHEZ MILLÁN

Ayer se estrenaba en el Salón de Actos de la CAI en Zaragoza, el documental Alberto Sánchez. La proyección de los sueños, realizado por Vicky Calavia. La cita, imprescindible para muchos, servía no sólo para acercarnos un poco más la figura de Alberto Sánchez, sino también como homenaje a uno de los hombres que ha dedicado gran parte de su vida a dinamizar el cine en Aragón.

No se pretende con esta entrada realizar una crítica sobre el documental, que vaya por adelantado, me resulta imprescindible. Imprescindible para aquellos que amen el cine, para los que quieran hacer cine, para los que coleccionen cine, para aquellos que escriban y proyecten cine, y mucho más, para aquellos que quieran hacer cine en Aragón. Alberto Sánchez, entre otros muchos aspectos (fotógrafo, agitador cultural, crítico de cine, director y hasta incluso actor improvisado) era sobre todo una persona inspiradora. Escuchar hablar a Alberto Sánchez, normalmente se convertía en una mezcla de admiración constante y entretenimiento. Pues su naturalidad, y también su humor socarrón, transmitían confianza desde el primer instante. Pero tampoco con esta entrada se pretende hablar de Alberto Sánchez, y de las ocasiones, en las que por suerte, tuve la ocasión de conversar con él.

El documental proyectado ayer, muestra mucho respeto y sobre todo, mucha admiración. Muestra confianza - puesto que se nota que la perspectiva del mismo es de una buena amiga de Alberto- y también nitidez. Quizá no veamos a Alberto de forma nítida, pues todas sus intervenciones son parten de una entrevista realizada por Vicky Calavia antes de su muerte, grabada por Javier Estella y José Manuel Fandós posteriormente para el documental, bien en las butacas de un cine, bien sobre las inmensas colecciones de libros que Alberto poseía. Sin embargo, en el documental sobra nitidez en cada una de sus declaraciones. Más allá de que pueda servir para acercarnos a esta figura clave, coleccionista, amable con los demás y un verdadero erudito cinematográfico, sirve también para acercarnos una pasión inexplicable que normalmente une a todos aquellos que aman el cine. Una pasión que por supuesto, traspasa la propia pantalla de sombras, y se filtra en cada una de las palabras que Alberto, de forma póstuma, transmite a través del documental. En una de sus intervenciones, Alberto declara que se puede vivir sin cine, pero no soñar sin él. Al menos, no soñar como soñamos en este siglo y en el pasado S.XX. Esta clarificadora intervención, más propia de un físico, de un científico, o de un psicólogo, parte de una vida en constante relación con el cine, que resumida en una hora de documental, parece quedarse incluso corta. Pues se podría escribir y hablar mucho, sobre la relación que existe entre los sueños y el cine.

En su claridad de ideas, a lo largo del documental Alberto afirma que no existe el cine aragonés, sino cierto cine que se hace en Aragón, pero sin características comunes (algo que comparto plenamente). Algunos de sus amigos, como Pedro Aguaviva o Pepe Laporta, van moldeando a través de sus declaraciones la figura (y personaje) de una persona que a priori se muestra tímida y recelosa con su intimidad. Los mismos, que en tiempos pasados, dinamizaban las proyecciones en Aragón, escribían críticas sobre las películas que veían, e intentaban mostrar su pasión por el cine como creadores a través de sus propias obras cinematográficas. Los mismos, a los que hoy en día, resulta fundamental escuchar y atender, porque son ellos, los que resumen el verdadero espíritu de lo que significa amar el cine.

Hoy resulta fácil acceder al cine, y por supuesto, resulta mucho más fácil verlo. Cualquier película está al alcance de nosotros, a tan sólo un clic de nuestro ratón de ordenador. No hace tantos años, para muchos espectadores y cinéfilos, poder acercarse a determinadas películas, dependía de personas tan entregadas como Alberto. Personas, que por su ansia de seguir haciendo, y sobre todo, de hacer por los demás (como bien se explica en el documental), eran capaces de organizar desde una cena para los amigos hasta una proyección con posterior tertulia. Ese cine pasado, el del celuloide y la máquina de montar, el del carboncillo y el olor a emulsión, el cine que exigía cambiar el rollo manualmente, es precisamente, el cine que queda perfectamente reflejado en este documental. La figura de Alberto Sánchez, y su retrato en este documental, trascienden a lo meramente personal, para convertirse en algo universal. El documental nos habla también de un cine que poco a poco va muriendo, una generación que con el paso del tiempo nos va dejando, y sin duda alguna, de una pasión incomprensible e irracional, que muchos compartimos, y que por supuesto, genera grandes amistades. Todo eso está recogido a través de este documental, y todo está reflejado con sinceridad y emotividad. Ojalá tengan la oportunidad de verlo proyectado en algún momento. Gracias a los dos, Alberto y Vicky, por vuestra dedicación al cine aragonés. Aunque desgraciadamante, este no exista.

ESTRENO DE LA GRANJA

2011-02-09T23:09:00.005+01:00

Con todo el ajetreo de estos días, casi se me olvida ponerlo por aquí. ¡Estrenamos el corto en dos días! Y a los lectores que por aquí se pasan de forma más o menos habitual, que sepan que pueden pasarse, puesto que la entrada se permite hasta que se llene el aforo. ¡Nos vemos allí!

ESTRENO DEL CORTOMETRAJE LA GRANJA

Viernes 11/02/2011

CENTRO DE HISTORIA DE ZARAGOZA

Plaza San Agustín

19:00 HORAS

Cuando pase todo esto, ya dedicaré unas líneas a temas que se han quedado pendientes por el camino respecto al cortometraje. Aunque el ritmo de trabajo, estas últimas semanas, ha sido tan intenso como en las semanas previas de preproducción a rodaje. De momento, al fin, todo cobrará sentido cuando el espectador vea el cortometraje. Allí se cerrará un ciclo, y comenzará otro, que ojalá tenga un largo recorrido por delante. Por ahora...tan sólo algo de nervios.

Corto y cierro, hasta que pase el estreno.

Cartel y cuenta atrás.

2011-02-04T12:22:00.005+01:00

Cuando uno ya tiene el cartel, significa que queda muy poco tiempo para la presentación del corto. Diseño de nuestro amigo y director de arte, Luis Sorando. En siete días damos a luz. Por si fuera poco, me he asustado al ver que tengo 400 mails recibidos en la carpeta de la La Granja del gmail. No quiero imaginar los que tendrá el departamento de producción...

Aunque no tenga nada que ver, también os quiero enlazar este post, respecto al follón que se ha montado con Vigalondo y a los límites del humorista. Sólo diré, que en este país, el talento que uno posee es proporcional al número de personas que le tienen tirria. No entraré a valorar lo desarcetado del comentario, aunque comparta que me parece una cacicada tremenda criticar y darle importancia a algo tan nimio como un comentario de twitter.

Harry Potter, un high concept de lo más aburrido.

2011-01-30T21:57:00.005+01:00

Vaya por adelantado que no me he leído ni un solo libro de Harry Potter, y que no pretendo con esta entrada levantar la furia de algún que otro fan que pueda leerla. No cabe duda de que Harry Potter es un high concept. Un concepto super explotado, y que Rowling ha sabido rentabilizar, no sólo a través de sus películas, sino también a través de las diversas plataformas que rodean al producto: videojugos, merchandaising, libros, películas, internet…

Sin embargo, si atendemos tan sólo al medio cinematográfico, Harry Potter es, con toda probabilidad, una de las sagas más aburridas que se puedan recordar. Su séptima película, Harry Potter y las reliquias de la muerte -Parte I- (David Yates, 2010), poco o nada tiene que ver con aquel Harry Potter entrañable y vivaz de la primera parte. Quizá le evolución del niño a adolescente funcione en las secuelas literarias, pero en el cine tan sólo supone una evidente forma de alargar económicamente un producto, gracias a una serie de espectadores que por desidia, por interés, por fanatismo, o simplemente porque ya han visto todas las películas anteriores, siguen asistiendo en rebaño a las salas a ver la última entrega del joven mago. Dos meses después de su estreno, la sala estaba llena, en una sesión en la que normalmente es complicado llenar un cine: 16:30. Con esto ¿qué quiero decir? Tan sólo que si la saga llegar hasta la décima película, probablemente seguiría siendo rentable porque su público seguiría acudiendo al cine. Bien, todos de acuerdo: Harrry Potter es un high concept.

Sin embargo, ¿cómo es posible que cada vez el pequeño Potter sea más soso, más insípido, y más aburrido? Probablemente, por una cuestión con la que suelo insistir a mis alumnos, y que normalmente se pasa por alto cuando se escribe un guión. El personaje no hace nada por conseguir su objetivo, y éste a su vez, no resulta suficientemente claro para que el espectador se involucre en la película. Los problemas de guión son más que evidentes. Realicemos un pequeño análisis narrativo de la última parte de Harry Potter (ojo spoilers).

¿Qué quiere Harry Potter? Conseguir los Horror Cruxies.

¿Por qué los quiere? Porque es la única manera de vencer a Voldemor.

¿Qué hace Harry Potter para conseguirlos? Buscar los Horror Cruxies con la ayuda de Hermione y de Ron.

¿En qué momento corre un grave peligro? En pocos momentos. O al menos, nunca tenemos la sensación de que esté verdaderamente en un peligro que pueda acabar con él.

¿Cuándo se nos revela alguna información que cambie la trama? En prácticamente ningún momento, exceptuando que la señora mayor del Ministerio de la Magia, apoya también a Voldemor. Es decir, hay muy pocas revelaciones para el espectador, en las dos horas y media que dura la película, lo que convierte a la trama en algo muy previsible.

Con este breve esquema, resulta complicado identificarse con Harry Potter. Porque, a la larga, los personajes más interesantes son los que rodean a Potter y no éste. De hecho, Hermione, resulta mucho más interesante (mueve más la acción), en esta última película que el propio Potter. Al menos ella, sí que toma decisiones, y se ve obligada a tomarlas (como cuando tiene que decidir entre quedarse con Ron o con Potter), al igual que Ron, que también motiva y propicia parte de la acción (el momento en el que debe vencer al Horror Cruxie con la espada). Sucedía en la anterior película de Harry Potter, en la que el personaje llegaba al extremo de ser tan pasivo, que en el momento de la muerte de Dumbledore, se escondía debajo de unos tablones (el colmo para un personaje pasivo). Harry Potter, no sólo no acciona la trama, sino que apenas participa de ella, y esto se hace evidente hasta en los diálogos:

Ron: ¿No sabes qué hacer, verdad Harry?
Hermione: Nadie lo sabemos.

Apasionante. Fantástico para ellos, aunque aburrido para el espectador. Los personajes que no saben qué hacer durante toda una trama (no durante alguna secuencia), y sobre todo, los que no hacen mucho por solucionar sus problemas, suelen ser personajes que no le interesan al espectador. Si no nos interesamos por sus conflictos, ¿cómo vamos a hacerlo por sus motivaciones?

Por si fuera poco, el clímax de esta película se diferencia tan poco del resto de la película, que resulta complicado adivinar cuándo llega el final. Quizá por eso a todo el mundo se le queda la cara de “¿y ya está?”. Y no vale la excusa de que es la primera parte de otra que debe cerrar la saga en Junio del 2011. Porque Las dos torres, también era una película de transición entre otras dos partes, y el final de la película estaba más que claro (el ataque de los Rohirrim al abismo de Helm). Al menos ahí el espectador sí podía tener la sensación de asistir a una gran explosión de fuegos artificiales. Lo de Potter, estaría más próximo a un par de petardos de feria en la verbena de un pueblo.

¿Cuál es el conflicto principal de la última película de Harry Potter? Se aceptan propuestas. Quizá Potter se un gran concepto, pero cada vez sus guiones son más previsibles, más aburridos, y están peor escritos. Lo mejor que pueden hacer es terminar la saga y vivir de la rentas que ofrecen las ventas de muñequitos. Porque el resto de lo que hay en las últimas películas de Potter, es más propio de una telenovela venezolana , que de una aventura fantástica. Por debajo de las varitas, los ataques de los mortífagos, y los hechizos mágicos, sólo hay confusión de personajes, tramas de amor repetitivas, y ningún conflicto claro que mueva una película. Vaya sufrimiento, y qué manera de sacar pasta…

Posdata: en cuanto a verosimilitud se refiere, los guionistas no se preguntan ni un momento, qué narices come el trío protagonista durante los meses en los que transcurre la acción (nunca lo vemos), sin embargo, sí se empeñan en justificar varias veces, los cambios de vestuario de los tres magos, a través del bolso de Hermione. ¿Por qué nunca les vemos comer? Quizá no sea interesante, pero sí necesario para añadir un poquito de verosimilitud a lo que se cuenta. Un poco de lembas no hubiera estado nada mal...

Un acto de fe

2011-01-28T15:42:00.013+01:00

Bergman decía que la intuición consiste en lanzar un dardo a la oscuridad para después ir a recogerlo sin saber hacia dónde te diriges. Al resto del viaje, al resto del proceso, podríamos, sencillamente, llamarlo “un acto de fe”. Una amiga me comentaba el otro día que realizar cortometrajes no deja de ser un acto de fe para quien pretende hacerlos. Quizá un acto de fe algo caro (si lo comparamos con la pintura o la música, disciplinas artísticas mucho más espontáneas y asequibles), pero igualmente irracional. No creo que exista plena racionalidad en quien decide hacer cine. Sin embargo sí que existe mucha intuición, y en gran medida, enormes dosis de fe.

Para crear hay que creer. Para creer hay que tener fe. Y la fe, como el amor, como el odio, como casi todo lo que cuesta explicar racionalmente, es un acto insensato que pertenece al terreno de lo desconocido. ¿Dónde se genera la fe? ¿De dónde parte ese empuje tan necesario para afrontar un proceso creativo que resulta tan agotador? El cine es algo hermoso cuando está terminado, pero también una disciplina que te consume poco a poco, y que requiere grandes dosis de energía para afrontar el largo camino de su creación. Años para una película. Meses para un cortometraje. A veces me pregunto qué sentirán esas ancianitas mayores, que semana tras semana, acuden a la iglesia, se arrodillan, se levantan, y dejan deslizar entre sus dedos las pequeñas bolitas que marcan el tiempo de sus rosarios. ¿Cómo puede ser que durante tantos años sigan el mismo ritual? ¿Qué les empuja a emocionarse cuando escuchan el Salve María? ¿Por qué se agarran firmemente a la estampita de su santo en los momentos de crisis? ¿Por qué se santiguan cuando de reojo se suben a un autobús? Quizá no encuentre nunca una respuesta acertada o concreta para responder a estas preguntas. Como probablemente no la encuentre para explicar por qué alguien, de repente, decide sacrificar gran parte de lo que tiene, para hacer equilibrios sobre una cuerda de la que es fácil caerse. ¿Realiza uno cortos porque algún día desea hacer largos? Pues sí y no. Aunque casi siempre esa lectura me resulta demasiado horizontal, y algo sesgada. ¿Hace uno cortos porque le entretiene y le divierte hacer cine? Pues sí y no. Creo que existen entretenimientos mucho más asequibles, menos costosos, y quizá hasta más gratificantes. ¿Por el amor al cine, como les sucedía a los franceses de la nouvelle vague? Quizá esté más de acuerdo con ese motivo, aunque no sólo creo que el amor le lleve a uno a embarcarse en el proceso de creación cinematográfica. ¿Por qué entonces uno decide embarcarse en proyectos que ni siquiera sabe si va a poder terminar? ¿Qué impulso irracional motiva y mueve a esas piernas a que caminen sobre espinas, sobre brasas, y sobre un vacío que a veces incluso da miedo? ¿Por qué uno arriesga tanto? ¿Qué hay más allá? ¿Pasión por el cine? ¿Amor a lo que algunos consideran arte? Quizá sólo sea fe. Ni siquiera fe en un mismo, que tan necesaria resulta en este oficio. Fe en la propia creación. Fe en al acto y también en el proceso. Fe en cada uno de los detalles que se intentan cuidar. Fe en cada una de las variables que pueden influir en la búsqueda del dardo.

La fe lo soporta todo. Las inclemencias temporales y emocionales, los problemas y los hallazgos, las horas interminables en un tren soñando con que al final del camino el proyector reproduzca todos los frames que has rodado, los días sin dormir repasando cada una de las letras del guión, los planos que nunca llegaron a rodarse, los amigos que se perdieron por el camino, los que se encontraron, los abrazos al final de un rodaje, los aplausos del montador tras el corte final, la mirada de un actor pidiendo ayuda, las largas horas de los productores pegados al teléfono, el silencio de tu equipo esperando una indicación, el bullicio de un estreno…La fe es la que a muchos nos sigue haciendo creer que hacer cine merece pena, que rodar no sólo es un acto aislado y puntual, sino una manera de entenderse a uno mismo y también de comprender mejor el mundo que nos rodea. La fe acompaña, y a veces también ahoga. La fe le permite a uno hacer cine…siempre y cuando esté dispuesto a sufrir, o a perderse en la oscuridad mientras busca su dardo. La fe lo es todo para hacer cine, y sin ella, resulta casi imposible seguir adelante. Gracias a los que alentasteis la mía durante todos estos meses.

II Jornadas de Ficción en Cine y Televisión de la USJ

2011-01-24T09:56:00.006+01:00

Tras la buena acogida que tuvieron el año pasado las I Jornadas de Ficción en Cine y Televisión, de la USJ, hemos decidido continuar con la propuesta de traer profesionales del entorno audiovisual para que les expliquen a los alumnos sus experiencias en torno a la ficción cinematográfica y televisiva. Este año las Jornadas están organizadas entre el Grado de Com. Audiovisual de la Universidad San Jorge y el CPA y son de carácter abierto para todo el que desee asistir. El título bajo el que hemos aglutinado las diferentes ponencias y mesas redondas es "Creatividad en los tiempos de crisis", dadas las circunstancias actuales bajo las que se mueve el audiovisual. Os adjunto el interesante cartel de ponentes que nos acompañarán en esta segunda edición y que a buen seguro, abrirán interesantes líneas de debate durante esta semana. Podéis consultar el programa completo, así como sus horarios aquí.

POSTPRODUCCIÓN. LA GRANJA. Mezclas.

2011-01-18T09:55:00.004+01:00

Hace unos meses me propuse explicar aquí algunos de los pasos que estamos siguiendo para la creación del cortometraje. No he podido comentar todos los que quisiera, y hay muchos aspectos que no me ha dado tiempo de tratar. Sin embargo, sí le quiero dedicar unas líneas a las mezclas de sonido. No sólo porque el sonido suele ser el gran olvidado en todo este proceso, sino por todo lo que puede contribuir a que el espectador se centre en lo verdaderamente importante: la historia que se cuenta.

Normalmente la mezcla de sonido suele hacerse en un estudio de sonido (no tiene que ser así necesariamente). Pero en condiciones óptimas resulta muy recomendable. Allí, lo que en tu casa suena apelmazado y tosco, se escucha completamente abierto y definido. A eso los sonidistas le llaman “sonidos abiertos”. Y aunque este tema no deba amargarle la existencia a un director, sí que puede hacerlo con la persona que ha trabajado el sonido. Cuando el sonido se abre en la sala de mezclas, uno se da cuenta de que hay que bajar determinados sonidos ambientes para que no predominen sobre diálogos, y de que los niveles de la música se deben regular hasta que todo parezca sonar de forma acorde. La premezcla previa sirve (cuánto más trabajada esté mejor), pero sin embargo es necesario reajustar los niveles sonoros. Eso es lo que se hace, principalmente, en la mezcla de sonido. Ajustar todos los niveles sonoros del cortometraje.

En función del diseño sonoro que se haya trabajado, la mezcla resultará más o menos complicada. En nuestro caso fue medianamente rápida. Unas cuatro horas hasta que sacamos la pista Dolby SR. No porque la sesión fuera sencilla (que no lo era) sino porque todo estaba bastante avanzado, y porque tanto Sergio como yo llevábamos las ideas muy claras a la sala de mezclas. En la sala de maclas, nos acompañó David (el mezclador de sonido). El proceso en sí es bien parecido al que se sigue en la mezcla de música, pero con la diferencia de aquí ya se tienen en cuenta todos los sonidos que se van a escuchar en el corto. Si hay algo que resulta verdaderamente importante es (como siempre) tener las cosas claras. En la sala de mezclas se trabaja rápido, muy rápido, y eso ahorra costes (normalmente los estudios se alquilan por horas, y cuanto menos debate exista en determinados aspectos mejor, porque así se tarda menos en realizar la mezcla).

Realmente, se podría estar retocando el sonido durante muchos más meses. Nunca es suficiente. Siempre hay algo que se podría mejorar. Siempre hay detalles que se podrían trabajar más. Pero cuando uno atraviesa la puerta de la sala de mezclas tiene que ser consciente de tres variables fundamentales para saber el sonido final que va a tener: cuánto tiempo posee para el mismo, qué necesidades básicas hay que trabajar en la historia que se cuenta(y si están cubiertas), y cuánto presupuesto se le puede dedicar a la mezcla. A partir de las combinaciones resultantes entre estas tres variables, y del mayor o menor ingenio del diseñador de sonido, el cortometraje sonará de forma más o menos parecida a cómo uno imaginaba en un principio.

Y digo que nunca es suficiente, porque cuando ya dimos por concluido el sonido, cuando David nos pidió a Sergio a y a mí que nos sentáramos en el sofá e intentáramos por un momento ser meros espectadores (algo que a estas alturas resulta casi imposible), cuando todo parecía concluido, cuando apenas llevábamos dos minutos de visionado…Sergio, libreta en mano (estuvo durante toda la mezcla anotando varias cosas), se levantó, detuvo la sesión de Pro Tools (programa de montaje sonoro) y con la delicadeza de alguien que no quiere interrumpir el sueño de un bebé me dijo: “Nacho, qué te parece si aquí…”. Mi respuesta era más que obvia, sabiendo que si había interrumpido el visionado era porque todavía no estaba conforme con algo. Así que de nuevo, cambiamos algo en lo que los dos estábamos de acuerdo: la radio debía sonar cada vez más bajita (apenas imperceptible pero necesario para la credibilidad del espacio), conforme la cámara se iba alejando de ella. Había que ajustarlo de nuevo con un leve fade de bajada. En este último visionado los “meros espectadores” realizaron tres parones más y Sergio dio tres últimos ajustes a la sesión. Así, que nunca es suficiente.

Podríamos haber estado mucho más tiempo mezclando, mucho más tiempo corrigiendo…pero lo más importante es que ya tenemos el sonido, que hemos cumplido los plazos que nos pusimos, y que el sello Dolby aparecerá al final de los créditos, lo que en cierto modo nos asegura, que se proyecte donde se proyecte (al menos la copia en 35 mm), se escuchará en condiciones. Por encima de todo esto, el sonido nos gusta mucho, y tanto Sergio como yo creemos que es el más apropiado para la historia que se narra.

Queda esperar a que el paso de 25 a 24 fps para la copia de 35 mm (el “pull down” de sonido), respete la afinación musical, y rezar para que no nos juegue ninguna mala pasada. Pero eso ya es harina de otro costal…y esta entrada sólo era para hablar de la mezcla final de sonido.

Ver para creer

2011-01-17T00:11:00.002+01:00

Las entradas son tickets, el cine nació con Amenábar, y ahora a las copias les llaman homenajes. Más, en menos espacio, es difícil.

Peter Yates (1929-2011)

2011-01-11T15:55:00.003+01:00

Además de Juanito Navarro y Juan Piquer Simón (al cual los medios no han dedicado ni la mitad de tiempo), nos deja también Peter Yates. Del cual, con permiso de Death Proof de Tarantino y de French Conection de Friedkin, recordaremos siempre la mejor escena de persecución que se ha rodado con coches.

POSTPRODUCCIÓN II. LA GRANJA. La música.

2011-01-10T15:30:00.007+01:00

Estas navidades grabamos la música del cortometraje. Poco o nada tiene que ver grabar la música en un estudio y realizar una premezcla musical, a que la música entre directamente por librería (ordenador). Por supuesto, el esfuerzo (sobre todo de producción, no sólo económico) es mucho mayor, pero la calidad sonora, así como la adecuación de la música a las imágenes también es mucho más certera.

Para los que como yo, nunca han grabado una banda sonora original (no hasta el momento), quizá les resulte interesante conocer cómo es el proceso. Detallo aquí, el que se ha seguido, al menos en nuestro caso. Quizá para alguien que pueda perderse por el blog le sea ilustrativo de cómo se graba la música para un cortometraje.

Paso 1. Búsqueda de un músico. Lo primero es encontrar un compositor que esté dispuesto a crear la música para la banda sonora del corto.

Paso 2. Guión y visionado. Enviarle el guión y la primera versión de montaje de imágenes. Da igual si no es la definitiva. Si el compositor ha realizado otras bandas sonoras, estará más que acostumbrado a ver cortometrajes incompletos. No siempre se encuentra un compositor a la primera, y no todos los compositores encajan con todos los géneros que hay.

Paso 3. Reuniones y conversaciones telefónicas. Hablar del presupuesto con el que se cuenta para la grabación (lo cual determina no sólo el número de instrumentos, sino también la grabación en sí y las posibilidades que tiene uno. No es lo mismo media docena de instrumentos que contratar a la Filarmónica de Viena), resolver cuestiones creativas, respecto a la historia, personajes y ritmo musical, hablar de cómo debe ser la música, de referencias en otras películas, de qué debe transmitir, así como delimitar qué instrumentos deben predominar y cuáles no. También es necesario delimitar el formato de grabación de sonido. En nuestro caso, tal y como explique aquí, el compositor y el diseñador de sonido se reunieron previamente porque música y diseño sonoro (al menos en este cortometraje) han resultado ser una sola unidad. Así que no hay muchas diferencias entre música y diseño sonoro.

Paso 4. Maquetas. Recibir una primera maqueta musical que el compositor realiza a partir de instrumentos de librería. Volver a hablar con el compositor e intentar que la segunda maqueta se adecue a lo que realmente buscas. Aquí es bueno tener tiempo. No ha sido nuestro caso, en el que hemos trabajo bajo presión temporal por la fecha de estreno.

Paso 5. Partitura e instrumentos. Cuando la maqueta está lista buscar instrumentistas. Es decir, encontrar las personas que tocarán la banda sonora. Buscar estudio y técnico de sonido que grabe la banda sonora, así como para la realizar la premezcla musical. Si es necesario, buscar un director para los instrumentistas. En nuestro caso era necesario. Mientras, el compositor escribe la partitura para entregársela a los músicos.

Paso 6. La grabación. Divertida, pero al menos para mí, muy cansada. Un día de grabación de banda sonora equivale en esfuerzo a un día de rodaje. Todo el día escuchando una y otra vez, los mismos acordes, que por sí solos tampoco parecen gran cosa. Se repiten tomas, se grabanvarias veces cada fragmento hasta que el compositor da el visto bueno (normalmente cuando la tonalidad, afinación y ritmo son adecuados). Una vez se graba la música, se realiza la premezcla musical. Se adecuan los niveles de cada instrumento grabado, se mezcla con los instrumentos que se hayan decidido incluir de librería y se crea una sola pista sonora. Todo esto, entre mezclador, compositor y director del cortometraje. En nuestro caso, todo realizado en una jornada (un día).

Paso 7. Esta pista sonora se le da directamente al diseñador de sonido, para que la tenga en cuenta en su diseño sonoro. Posteriormente, con el trabajo del diseño sonoro (diálogos más ambientes y efectos sonoros), se realiza la mezcla final. De momento en algunas partes del cortometraje, Sergio (diseñador sonoro) todavía no sé cómo no se ha vuelto loco porque suenan hasta 25 pistas de sonido a la vez. Para haceros una idea, el sonido de un disparo puede estar formado por hasta 5 o 6 sonidos de disparos diferentes. Pequeños trucos que ayudan a que todo sea más verosími y que ya dependen directamente del ingenio del diseñador de sonido para solucionar los problemas.

Y hasta aquí este breve resumen de la grabación de banda sonora para un cortometraje. De la mezcla final ya hablaré más adelante, porque la realizamos este fin de semana. La verdad que el mundo sonoro es apasionante, y puede determinar en buena medida, el resultado final de un producto. Nosotros sabemos que una buena parte de la verosimilitud final nos la jugamos con el sonido. Es por eso que, a diferencia de otros cortometrajes anteriores, le estamos dedicando tanto tiempo.

Al menos para mí, ya hay un par de secuencias que han ganado mucho después de escuchar la premezcla del diseño sonoro, en la que ya se incluye música, ambientes y diálogos. Ver cómo todo cobra vida poco (imagino que esto le sucederá a todo el mundo) es una de las mejores sensaciones que se pueden tener, y también uno de los últimos pasos creativos en el largo proceso de posproducción. Imagino que todo en todo este proceso en un largometraje, el director no está tan presente. Pero conocerlo, creo que ayuda a entender qué posibilidades ofrece cada secuencia. Tener claro qué se busca sonoramente, creo que es el factor fundamental para que todo avance sin muchas trabas. Paso a paso... seguimos avanzando.

Autoblogmbo

2011-01-04T13:25:00.004+01:00

Qué agradable saber que hay personas que de vez en cuando se pasan por este blog. Hoy nombran a unmundoimplacable en este artículo del Heraldo de Aragón.

Una mirada al 2011

2011-01-03T15:43:00.005+01:00

El 2011 depara numerosos e interesantes estrenos. El que espera nuestro equipo con más ganas es este. Si se cumplen los plazos previstos, el próximo mes de febrero lo estrenaremos en Zaragoza. De momento, en enero, últimas mezclas de audio, etalonaje, titulación y efectos visuales. Adjunto aquí el trailer (sin etalonaje).

TRAILER LA GRANJA from Ignacio Lasierra on Vimeo.

Una mirada al 2010

2010-12-30T16:56:00.015+01:00

Como última entrada del año, seguiré con la tradicional lista de las diez películas que más me han llamado la atención en este 2010. Parece que no, pero esto de las listas luego suele ser animado para todos. El resumen del año pasado ha sido hasta el momento, la entrada en este blog con mayor número de comentarios.

Este año hay un buen número de películas que por falta de tiempo no he podido ver, por lo que la lista va a ser más subjetiva que nunca. Algunas de ellas se encuentran entre las más aclamadas del año: Machete, Scott Pilgrim, Neds, Fantastic Mister Fox, Two Lovers, Baaria, Canino, Caracho o Un tipo serio son algunas de las que tengo pendientes, y que si puedo veré en el próximo 2011. Nombro estas, porque probablemente aparezcan en muchas de las listas de este 2010 que ronden por internet. Así que, vaya por adelantado, que esta lista es tan reducida como el cine que he podido ver a lo largo de este año, que por otros menesteres, no ha sido tanto como en ocasiones anteriores.

Como siempre, no tomo el año en el que se estrenó la película, sino la fecha en la que lo hizo en cartelera española. A priori, y echando un vistazo rápido, este 2010 ha sido un año bastante pobretón, mucho menos interesante que el 2008 y el 2009, en el que cuesta sacar una lista de diez películas que verdaderamente me hayan llamado la atención. Realmente las cinco últimas son por completar una lista que cerraría a partir de la quinta. Pero por seguir con la tradición ya abierta de otros años...ahí va mi lista con las diez películas más implacables de este año.

1. UN PROFETA (A Prophet, Jacques Audiard, Francia)

MEJOR PELÍCULA EUROPEA DEL AÑO

Para mí la mejor película estrenada durante este 2010. Si bien es del 2009, llegó a la cartelera española en febrero del 2010. Soberbia historia de uno de los directores más interesantes del panorama cinematográfico actual. Un profeta tiene todo lo que debe tener una gran película. Además, la película da una nueva vuelta de tuerca sobre el cine carcelario. Magnífica concepción, con una puesta en escena apabullante, un ritmo vertiginoso y un tratamiento temático interesantísimo. Imprescindible y magistral. Sin duda, la única película estrenada en este 2010 a por la que merece la pena utilizar el calificativo de "obra maestra". Algo más de crítica aquí.

2. LA RED SOCIAL (The Social Network, David Fincher, EEUU)

MEJOR PELÍCULA ESTADOUNIDENSE DEL AÑO

Para muchos un timo de película. A mí me parece que la película contiene los mejores diálogos del año (Sorkin), la puesta en escena más sobria (e interesante) que ha realizado Fincher, y una trama judicial de rivalidad que no le deja al espectador ni un minuto de respiro. Por no decir, que el buen cine es el que sabe reflejar el tiempo en el que vive, y esta película refleja con mucha maestría, la sociedad occidental actual. Una película adaptada a nuestro tiempo, que no te deja ni un respiro.

3. TOY STORY 3 (Lee Unkrich, EEUU)

En años anteriores fueron Wall-E y Up. Este año, le toca el turno a la película que rompe la estadística de que terceras partes nunca fueron buenas. El guión más sólido del año, el broche final a una trilogía que no desmerece a ninguna de sus partes, una verdadera reflexión sobre el paso de la infancia a la madurez, y por supuesto, una película de aventuras cargada de guiños al resto de géneros cinematográficos. Desde su vibrante primera escena hasta su emotiva escena final, Toy Story 3 es una delicia que demuestra (una vez más) que en Pixar, cada año, se gesta una obra maestra. La mejor guinda para cerrar un ciclo abierto hace quince años. El que crea que el cine de animación de Pixar es cosa de niños, es porque todavía no ha visto esta película.

4. BIUTIFUL (Alejandro González Iñarritu, España – Mexico)

Una tragedia contemporánea en toda regla, con el personaje más complejo y mejor creado del año: Uxbal. Javier Bardem vuelve a sorprendernos con una interpretación muy por encima de la media. La película tiene tantas capas, y el personaje principal está tan bien moldeado, que la agonía del drama que narra Biutiful se hace casi insoportable para el espectador. La combinación Bovaira, Cuarón e Iñarritu, sin la presencia de Arriaga nos ha dejado una de las mejores películas del año, mucho más interesante que sus anteriores 21 gramos y Babel. Pese a que roza lo tremendista en algún momento, una cinta sincera y desgarradora sobre los misterios de la vida, y de la muerte.

5. BURIED (Rodrigo Cortés, España)

MEJOR PELÍCULA ESPAÑOLA DEL AÑO

Porque confirma que Rodrigo Cortés es uno de los directores más talentosos que tiene el cine español. Porque es apabullante de inicio a fin. Porque hay que tener muchas narices para rodar una película entera dentro de un cajón sin aburrir al espectador, y porque, vista con distancia, es un ejercicio de realización que no todo el mundo podría llevar a cabo. En definitiva, la mejor película española del pasado año, y probablemente la experiencia más agobiante que se ha podido tener este año en el cine.

6. ORIGEN (Inception, Christopher Nolan, EEUU)

La película que más polémica ha despertado este año. La puesta en escena de origen aprovecha al máximo las nuevas tecnologías, y nos fascina con algunas secuencias que a buen seguro serán imitadas por otros cineastas en el futuro. Al igual que Avatar, se podría discutir si la historia es interesante o no (nada original desde mi punto de vista), pero ha sido verdadero disfrute admirar el despliegue visual que Nolan utiliza para marcar el ritmo de su película. Sólo por eso, se me cuela entre las diez más destacadas del año. Al César, lo que es del César.

7. EL ESCRITOR (The Writer, Roman Polanski, EEUU)

Polanski con poco hace mucho. No es una de las mejores películas del director polaco, pero aún así, es de lo más destacado que este año ha pasado por cartelera. Sobria y elegante, contiene la mejor secuencia final del año. Polanski es solvente una vez más. Su película, poliédrica, más parecida a un rompecabezas que una obra cinematográfica es formalmente refinada y nos fascina con su punto de vista casi voyeur de un mundo lleno de ambiciones y poderes. Visualmente fascinante.

8. INVICTUS (Clint Eastwood, EEUU)

A Eastwood le sucede igual que a Polanki. A poco interesante que sea la historia que decide dirigir, ofrece siempre una película solvente. Algunas le salen mejor y otras peor, pero incluso éstas, están muy por encima de la media. Invictus no es redonda, ni mucho menos, pero ofrece momentos de buen cine, así como una realización (la del partido de rugby final) que a uno se sobrecogen en la butaca. Igualmente, como biopic, será difícil que Eastwood supere el retrato de Charly Parker en Bird.

9. SPLICE. EXPERIMENTO MORTAL. (Splice, Vicenzo Natali, EEUU, Canadá, Francia)

Aquí ya empieza lo subjetivo. Probablemente el tercer acto de esta película sea lo más nefasto que se ha visto en una película de ciencia ficción. Pero las dos primeras partes, así como una tensa y sobrecogedora historia familiar con engendro incluido, bien merecen rescatar esta película. Tiene momentos de verdadero terror y algunos de los efectos visuales más logrados del año aplicados a Dren, el engendro científico. El director de Cube ofrece una película tan irregular como su propia filmografía. Pero la valentía de determinadas escenas, en una producción de ciencia ficción de carácter casi independiente, meten para mí a esta película entre las diez más destacas del año.

10. GRU, MI VILLANO FAVORITO (Desplicable Me, Chris Renaud, Sergio Pablos, Pierre Coffin, EEUU)

Y cierro la lista con una nueva película de animación. Mucho más infantil que Toy Store 3, pero no por ello menos interesante. Lo cual me hace pensar, que quizá lo más incesante de este año lo haya encontrado en el cine de animación. Gru es la primera producción de Illumination Entertaiment, y se abre paso entre los gigantes Pixar y Dreamworks. El personaje principal es encantador, y los minions (subordindos del villano) son los que más me han hecho reír este año en la sala de cine. Como la risa, es algo que valoro mucho, rescatada queda de este pobre año 2010.

Y haciendo memoria, quizá cueste sacar diez películas interesantes, pero no sacar unas cuantas decepciones de películas que prometían mucho, y que sin embargo, sólo me han provocado urticaria al salir del cine. Ahí van mis cinco grandes decepciones, con cinco grandes directores detrás que este año han regalado cinco grandes bodrios inconmensurables. Los cinco comparten algo en común: parecen tan estancados que es mejor no ver sus últimas películas.

Alicia en el país de las maravillas de Tim Burton.
Shutter Island de Martin Scorsesse.
Robin Hood de Ridley Scott.
Airbender, el último guerrero de M. Night Shyamalan.
Balada triste de trompeta de Alex de la Iglesia.

Y la que es sin lugar a dudas, la película más sobrevolarada del año, y quizá una de las que más me han aburrido en mucho tiempo: En tierra hostil (The hurt Locker, Katherin Biguelow). No entiendo nada de los oscar del pasado año. Pero esa ya es harina de otro costal.

Definitivamente no ha sido un buen año para ir a ver películas al cine. Suerte que entre tanta película mediocre, Iniesta nos regaló la mejor imagen del 2010. Ánimo con vuestros proyectos para el próximo año y ¡feliz año nuevo!

Blake Edwards (1922-2010)

2010-12-17T10:17:00.004+01:00

Los días de vino y rosas se acabaron para él también. Adiós a uno de los directores que más admiradaba, y que más me ha hecho reír.

POSTPRODUCCIÓN I. LA GRANJA. Sound desing and music.

2010-12-09T22:04:00.005+01:00

Cuando se escribe un guión cinematográfico resulta imprescindible no olvidar que el sonido es un elemento más dentro de cualquier narración. Sobre todo el sonido diegético que procede de la propio relato.

El sonido, y por tanto, la música que ya se tenga clara desde la escritura de guión, determinará en buena medida, no sólo el tono de la historia, sino también el estilo final y buena parte de la puesta en escena.

En este momento nos encontramos en plena post-producción de sonido de La Granja. Por un lado, Sergio López - Eraña, se encarga de realizar el diseño sonoro (también grabó el sonido directo). Por otro, Sergio Lasuén, está componiendo la banda sonora que grabaremos por Navidad en Zaragoza. Ambos trabajan en la misma dirección, y es necesario que ambos sepan del trabajo del otro. Por eso, lo primero que hemos hecho, ha sido reunirnos los tres para tratar el sonido del corto. De esta forma, quizá logremos una unidad sonora, en la que música y diseño sonoro no se entorpezcan mutuamente, sino que más bien se complementen.

Por supuesto el lenguaje en este proceso cambia. Uno deja de lado los frames, el ritmo de montaje, y los movimientos de cámara, para empezar a hablar de arcos sonoros, tonadillas, distorsiones, octavas o fluctuaciones musicales. Resulta interesantísimo escuchar las conversaciones entre diseñador de sonido y músico. Ambos hablan el mismo lenguaje. Y entre medio, servidor, intenta explicar qué se necesita para cada secuencia, cuál es la idea genera que se pretende transmitir, cómo deberían asociarse determinados sonidos a determinados personajes, y en qué momento cobra más vida la música, el diseño sonoro, o incluso la ausencia total de ambos. A pesar de que el objetivo de los tres es el mismo, contar de la mejor manera la historia que hay montada, el lenguaje entre los Sergios no siempre resulta fácil de seguir. A veces es complicado decidir si hace falta una cuerda sostenida, o por el contrario un efecto ambiental, si es necesario un viento de flauta, de fagot, o mejor, un viento natural, si conviene acompañar una secuencia determinada, o por el contrario trabajarla sólo en diseño sonoro, si es mejor que la música entre antes o después de determinada frase, etc. La verdad que los tres nos estamos llevando algunas sorpresas en este proceso. Pese a que se mantienen las ideas originales que ya estaban en el proyecto inicial –antes de rodaje- nos encontramos con determinadas secuencias que funcionan mejor a partir de sonidos tan extraños como inimaginables para el ambiente dónde suceden. Sin embargo, todo pasa desapercibido. Cuesta imaginar qué suena detrás de un ladrido de perro, o a partir de qué sonidos está generado el ambiente de una granja. Ni que hablar de todo aquello que sencillamente no sabemos cómo suena, porque nunca lo hemos escuchado más allá de una película. Esos son, sin lugar a dudas, los grandes retos de este cortometraje.

La capacidad de abstracción es máxima en este proceso, y por supuesto, la capacidad de entendimiento mutuo. Uno tiene que abandonar ideas preconcebidas y abrir bien su mente para lo que pueda surgir en el proceso. Sabemos que en este corto de género, nos jugamos buena parte de su funcionamiento con el sonido del mismo, y por eso lo intentamos mimar, tanto o más que a la imagen. Vamos a ver dónde nos lleva todo esto. De momento, el proceso, es ya todo un aprendizaje.

La siempre presente duda razonable

2010-12-03T11:36:00.010+01:00

Ser miembro de un jurado para otorgar un premio no es tarea fácil. Cualquiera que haya atravesado esa situación lo sabe. Si bien es cierto que tiene cierto punto divertido, incluso reconfortante, la mayoría de las veces resulta complicado discernir qué obra merece ser premiada, y todavía más complicado discernir por qué.

He tenido la oportunidad de asistir como jurado varias veces en festivales, certámenes, etc. Recientemente, decliné una nueva invitación a participar como jurado en un festival de cortometrajes. Tenía que leer casi sesenta guiones de cortometrajes durante todo este tiempo y decidí no mezclar churras con merinas. Al final, pese a que el objeto que valoras siempre es diferente según el certamen o festival, la sensación como jurado resulta siempre parecida. Ser jurado de algo me parece que es una tarea de una gran responsabilidad, que exige mucho compromiso hacia uno mismo, y por supuesto hacia el resto de los miembros que componen el jurado. También es una tarea de un gran compromiso ético respecto a tus ideas, tus juicios, tus gustos, y por supuesto respecto a la confrontación de estos con los del resto de los miembros del jurado. Es por eso que quizá tenga predilección por películas en las que alguien debe defender sus ideas, ya sea en 12 hombres sin piedad o Caballero sin espada. Estoy pensando que igual por eso, también me atrae tanto La red social. Aunque ese es otro tema.

La responsabilidad de un jurado se demuestra en la seriedad con la que este se plantea lo que está valorando. No quiero ni imaginar lo que debe ser pertenecer a un jurado popular, en el que en vez de premiar a alguien, se debate qué castigo va a recibir el acusado. Por supuesto, la peor pesadilla posible es pertenecer a un jurado popular que decide sobre la vida o la muerte de otra persona. Estoy pensando que por eso me impactó tanto el final de M, el vampiro de Dusseldorf o que por eso sufro cada vez que veo cómo finaliza Frankestein. De hecho, cuando se trata de valorar obras ajenas, uno siempre espera encontrarse unos compañeros que se tomen con responsabilidad su cometido. Desgraciadamente no siempre es así, y en alguna ocasión me he cruzado con personas que se toman muy a la "ligera" sus decisiones.

Ayer participe en la mesa de jurado que emitía el fallo (¿por qué se le llama así? , ¿vendrá todo de un error constante por parte de los jurados?) al V Certamen de Guiones de la Delegación del Gobierno en Aragón. Quizá de las experiencias que he tenido, ha sido la más comprometida y reconfortante al saber que el sistema no sólo es suficientemente justo (varias votaciones, diversas cribas, y diferentes sistemas de puntuación para otorgar el premio, además de un tiempo razonable para leer todos los guiones presentados) sino que el debate entre los miembros del jurado se convierte en un factor fundamental para seleccionar a quién otorgar el premio. De hecho, el marco para la valoración era el adecuado. Una biblioteca con una gran mesa rectangular de madera, donde todos los miembros podíamos vernos la cara, presidida en este caso por el Delegado de Gobierno en Aragón, tres personas con voz pero sin voto y los nueve miembros del jurado con voz y voto.

Al estar valorando obras que van firmadas con seudónimo, la igualdad en ese sentido es máxima. Sin embargo, y pese a que los fallos del jurado siempre son inapelables (de no ser así jamás habría un jurado que fuera definitivo), uno siempre se plantea si al final la obra seleccionada como ganadora es realmente la mejor de todas. Probablemente sí lo sea, puesto que cuando tantas personas valoran, puntúan, conversan y argumentan por qué sí o por qué no merece ser el ganador, se supone que la decisión no está tomada a la ligera y que es lo suficientemente ecuánime como para ser justa. En ese sentido, una decisión salomónica. Y se supone que tras el debate y el consenso del jurado, uno debe pensar que por supuesto la mejor obra es la que ha ganado. Pero…¿qué pasa cuando de repente nos ataca la duda razonable? Es inevitable que al final uno piense sobre cómo se ha tomado la decisión. Y por supuesto, también sirve para replantearse lo fortuito que puede ser en muchos casos, el hecho de que un jurado te otorgue un premio. Entiendo a Paul Newman cuando explicaba por qué corría en carreras de coches. Decía que era la única manera de saber si eras realmente el mejor, porque si llegabas el primero, significaba que realmente lo eras. Cuestión de segundos, sólo eso. En el caso de festivales, certámenes, o distinciones en forma de premio, soy cada vez más consciente del poco peso (que no ilusión y apoyo, eso es otra cosa) que debería tener para considerar que tu trabajo es bueno, o sencillamente, mejor que el de los demás. Y cuando uno empieza a comprender de verdad eso, es cuando creo que disfruta de otra manera en el momento que un jurado le otorga un premio. La de ayer fue una grata experiencia, en la que el arte de la dialéctica fue realmente importante para la valoración final. Después me acerqué hasta el FNAC y cayó en mis manos “El arte de tener razón” de Arthur Schopenhauer. En un día así no pude evitar comprarlo. Por suerte no tuvimos que hacer uso de lo que Schopenhauer explica en su última estratagema: “cuando se advierte que el adversario es superior y que uno no conseguirá llevar razón, personalícese, séase ofensivo, grosero”. Lo de ayer fue mucho más agradable y finalizó con un fuerte de apretón de manos, y la sensación de haber sido lo más justos posibles dentro de la siempre complicada labor de ser jurado. Aunque existan, como siempre, comprensibles dudas razonables. Al fin y al cabo ¿qué seríamos si no las tuviéramos? No es fácil ser jurado, y creo que nadie, por mucho tiempo que lleve haciéndolo, puede terminar de acostumbrarse a serlo. Quizá Risto Mejide...pero ese también es otro tema.

El fallo del jurado aquí. Mi enhorabuena a los ganadores.

Leslie Nielsen (1924-2010) e Irvin Kershner (1923-2010)

2010-11-30T18:19:00.004+01:00

Este año los blogs de cine parecen la sección de necrológicas de un periódico. Otras dos grandes pérdidas a la ya enorme lista de fallecidos en 2010.

Red Lights ya tiene teaser/poster

2010-11-26T10:42:00.008+01:00

Leonardo Sbaraglia se ha sumado a Cillian Murphy, Robert de Niro y Sigourney Weaver para la próxima película de Rodrigo Cortés que ya tiene un pequeño teaser/poster.

Después de que haya pasado más de un mes y de haber reposado con tiempo Buried (enterrado), me parece que de nuevo Rodrigo Cortés nos ha dejado con su segunda película, una buena pieza que revisitar. Sigo pensando (digan lo que digan), que es uno de los directores españoles con más talento que hay en la actualidad. Alguien que consigue para su tercera película a Weaver y De Niro es, sin duda, alguien con mucho talento.

ENCRUCIJADAS EN LA PRODUCCIÓN DE CORTOMETRAJES EN ARAGON

2010-11-15T17:05:00.009+01:00

ESPALDARAZO FINAL. LA CRISIS YA ESTÁ AQUÍ.

Y ha llegado para quedarse. O eso parece. Hoy es el día en el que finalmente se consuma cualquier esperanza de que las futuras generaciones de “cineastas” aragoneses prosperen y crezcan en su comunidad autónoma. O al menos que lo hagan con un mínimo de apoyo, o bajo el amparo de ciertas instituciones. Si lo hacen tendrán que tener mucho ingenio para convencer al sector empresarial privado de que sus proyectos merecen la pena. Hoy se ha publicado un nuevo espaldarazo que la DGA acaba de dar a las personas físicas que pretenden realizar cine en Aragón. Y para sorpresa de todos ha sido tremendo. Pese a que hasta el realizador más optimista esperaba grandes recortes, probablemente ninguno los había imaginado de este tipo.

Pueden leer la nueva convocatoria de ayudas a la producción audiovisual aquí, en la que la ayuda destinada a la producción audiovisual aragonesa (cortometrajes y documentales) pasa a ser de 100000 € a 40000 €. Un recorte del 60 %, que sumado al recorte que ya se le aplicó hace dos convocatorias de 20000 €, supone un recorte total del 67%. Es decir, en tres años se han pasado de los 120000 € destinados, a una cantidad total de 40000 €, lo cual hace pensar que algo más que la crisis afecta a este recorte presupuestario.

Poco o nada se hará al respecto porque aquí somos así. Nos pegan una hostia en una mejilla, y normalmente ponemos la otra rogando que por favor la segunda no sea tan fuerte. Aquí no somos de protestar. No al menos en lo que a beneficio común se refiere. Así nos ha ido. Así nos va. Y así probablemente nos vaya en el futuro. Aquí somos de criticarlo todo (lo malo y también lo bueno), y normalmente, de hacerlo siempre en pequeños círculos sin dar ni un solo paso adelante. Aquí no nos posicionamos. Vaya a ser que alguien nos fiche y no nos tenga en cuenta para el futuro. Aquí todo nos da igual. O aparentamos que nos da. Pero en el fondo nos fastidia. Al menos, nos fastidia a los que año tras año seguimos en la brecha intentando levantar proyectos.

Y saben qué pienso…que en el fondo, no se nos está nada mal. Por creer que sentados en nuestro sofá las cosas mejorarán, y sobre todo, por pensar que los cortometrajes y los documentales le interesan a alguien más a parte de a quién los realiza, los proyecta, y los consume (un sector muy minoritario en todo caso). Pero por encima de todo, por seguir pensando que ya estaba todo hecho, con lo que a algunos les costó en su momento pelear estas subvenciones.

Este gran recorte evidencia que estamos en crisis (eso ya lo sabíamos todos), pero también que a “los del audiovisual” se les puede tratar de cualquier manera, porque al fin y al cabo ni siquiera están asociados (cosa que "los del teatro" ya hace tiempo que han sabido resolver). Sólo hay que ver los presupuestos dedicados en Aragón a las artes escénicas (150.000), a la producción musical (120.000), al sector editorial (73.100 €) o a las actividades de asociaciones culturales, mayores incluso a las de producción audiovisual con 50.000 €.do. Y eso que a ellos también les han recorta Y ahí estamos los realizadores…a la cola de la cultura aragonesa. Y nosotros debatiendo en cómo se podrían mejorar las comisiones, en cómo se podría dar mayor transparencia al proceso, o en cómo se podrían invertir mejor los ya inexistentes 100.000 € entre distribución y producción. Ilusos de nosotros. Y ahora además, de ilusos, ilusos con el culo bien escaldado Mientras sacan las bases de esta nueva convocatoria, espero cobrar a tiempo la parte del pastel que me corresponde del año anterior, una vez presentado en regla todo lo solicitado. No vaya a ser que lo recorten del todo, y además de escaldado, me quede con el culo al aire. Que en Zaragoza el cierzo pega muy fuerte. Hoy, parece que más fuerte que de costumbre.

Adiós al padre del cine español.

2010-11-13T22:26:00.006+01:00

Hoy todos estamos un poco tristes. El único que puede permitirse el lujo de estar feliz hoy es Rafael Azcona. Seguro que lo han recibido allá arriba con una fiesta.

Cine para leer. Enero - Agosto 2010.

2010-11-11T13:14:00.003+01:00

Ya ha salido a la venta el nuevo anuario del equipo reseña de Cine para leer, el cual se puede adquirir en cualquier librería o bien a través de la web de la editorial.

Más información en el facebook de Cine para leer.

¿Quién está ahí?

2010-10-29T12:25:00.001+02:00

Muy ilustrativo. Y contado con un refinado sentido del humor.

Maratón de Halloween en la Facultad

2010-10-25T18:09:00.008+02:00

Esta semana hemos organizado la II Maratón de Halloween en el cineclub de la Facultad de Comunicación. Sesión ininterrumpida de películas espeluznantes. Un poco de todo: cine español, cine europeo, gore, ciencia ficción...para todos los gustos. La novedad de este año es que exceptuando algún título, vamos a poder disfrutar de las películas en pantalla grande y en HD.

Terminamos, tal y como hicimos el año pasado con Halloween, con el maestro Carpenter. Estoy deseando revivir La cosa, y hacerlo en una pantalla en condiciones y en HD.

De diez veces, dos sale algo bueno

2010-10-21T15:28:00.004+02:00

¿Y las otras ocho? Ahora entiendo porque sus cortos me parecieron tan insoportables. No he visto las películas, pero después de escuchar esto creo que tampoco lo haré.

Y yo que creía que en el cine de Kubrick, de John Ford, de Alfred Hitchcok y de Haneke había ideas claras sobre las que escribir una película...y resulta que todo depende del azar y de ir descubriéndolo poco a poco. Pues nada, ¡qué viva el azar!

Aristóteles; 8 de cada 10 sale algo bueno. Las otras dos seguramente no sale nada bueno porque no se le hace caso. Parece que de la libertad creativa, al azar más absoluto y absurdo hay tan sólo un paso. Todo es cuestión de proponérselo. Yo prefiero a Aristóteles. Aunque sea por cuestión de probabilidad.

La Granja en la revista Fotogramas

2010-10-17T19:10:00.005+02:00

Aquí la reseña que nos han publicado en su página web.

Mientras seguimos montando...

Magia cinematográfica

2010-10-14T13:04:00.006+02:00

Creo que es uno de los mejores comienzos de película que he visto nunca. Cada movimiento de cámara resulta ser una emoción contenida. Cada nuevo encuadre esconde magia cinematográfica. Hay vida. Todo parece respirar por sí solo. Todo fluye. Y todo resulta demasiado hermoso. Mucho cine en un solo plano.

Manuel Alexandre (1917-2010)

2010-10-13T08:35:00.002+02:00

Más de de 170 películas y 100 series. Adiós a uno de los más grandes.